12 Exposures - Volume 2: Mark de Paola, Todd Hido and Mathieu Bitton

Drei Fotografen, drei Handschriften und ein gemeinsamer Moment in Paris. Am 5. November trafen wir Mark de Paola, Todd Hido und Mathieu Bitton zu einem persönlichen Gespräch über Anfänge, Wendepunkte und die leisen Entscheidungen hinter großen Bildern. Zwischen Cafés und Studios begleiteten sie uns mit genau den Taschen, die ihren Arbeitsalltag prägen: Mathieu mit dem Weekender Nelson L, Todd mit der Messenger Bag Little William und Mark mit der Signature Bag M. Ein Interview über Fotografie als Haltung, über Intuition statt Perfektion und über das, was bleibt, wenn Technik in den Hintergrund tritt.

from left to right: Mark de Paola, Todd Hido and Mathieu Bitton

 

Ihr seid alle auf unterschiedliche Weise zur Fotografie gekommen. Wie habt ihr angefangen und was hat euch dazu bewogen, sie professionell zu betreiben?

Mark de Paola:

Meine Geschichte beginnt schon sehr früh. Mein Vater war Fotograf, daher bin ich mit Kameras aufgewachsen. Als Junge in New York ging ich oft in den Central Park, um mit einer Nikon und einem 200-mm-Objektiv, das mein Stiefvater aus Japan mitgebracht hatte, die Jugendkultur zu fotografieren. Ich fühlte mich wie ein „Profi“, bis ich eines Tages im Park mit einer Waffe bedroht wurde und mir meine Kameratasche gestohlen wurde.

Plötzlich hatte ich keine Kamera mehr, und da wurde mir klar, wie sehr die Fotografie Teil meiner Identität war, selbst mit 12 Jahren. Ich kratzte Geld zusammen und kaufte mir eine Leica M3 mit einem zusammenklappbaren Summicron. Das veränderte alles. Mit einem 50-mm-Objektiv kann man sich nicht verstecken, man ist mitten im Geschehen. Die jungen Hippie-Mädchen tätschelten mir den Kopf und sagten: „Fotojunge, mach ein Foto von mir.“ Für einen 12-Jährigen war das ziemlich beeindruckend. Damit begann mein Leben mit Leica und mit der Fotografie als aktiver Teilnehmer.

Todd Hido:

Ich kam in den 1980er Jahren durch BMX-Rennen zur Fotografie. Damals konnte man seine Freunde nicht einfach mit dem Handy filmen, man musste lernen, wie man Fotos macht. Also fotografierte ich meine Freunde, wie sie über Rampen sprangen und Tricks machten. Das hat mich gepackt.

Ich habe nie etwas anderes beruflich gemacht. Mit 15 oder 16 habe ich angefangen, mit einer Nikon zu arbeiten, und seitdem bin ich im Wesentlichen Fotograf.

Viel später, etwa 2020, bin ich zu Leica gewechselt. Mein Freund Jason Momoa, der von Leica und dem Sammeln von Kameras besessen ist, drehte einen Film über meine Arbeit. Er machte mich mit Leica bekannt, indem er mir buchstäblich eine schenkte. Die Qualität war unglaublich, und ich habe nie wirklich zurückgeschaut.

Mathieu Bitton:

Ich bin ein Spätzünder als Fotograf. Ich bin in Paris aufgewachsen und habe jeden Sonntag mit meinem Vater, der Gemälde und Möbel aus der Mitte des Jahrhunderts sammelte, Flohmärkte besucht. Ich war immer von den Fotografien in diesen Galerien fasziniert – besonders wenn jemand Avedon-Drucke an der Wand hatte.

Beruflich begann ich als Art Director und Designer im Musikbereich. Die Fotografie war etwas, das ich nebenbei machte – ich fotografierte Freundinnen, Musikerfreunde, gestaltete Albumcover, weil ich „eine Kamera hatte“.

Mein Problem war, dass meine Freunde echte Fotografen waren, Leute wie Jean-Baptiste Mondino, und ich wollte nicht sagen, dass ich das Gleiche tat wie sie. Ich redete mir ein, ich sei der Design-Typ, Fotografie sei nur ein Hobby. Und viele meiner Freunde haben mir klar gemacht, dass ich in meiner Branche bleiben sollte. Der Designbranche.

Schließlich fiel den Verantwortlichen der Plattenfirmen auf, dass die Fotos auf den von mir gestalteten Alben auch von mir stammten: „Moment mal, du hast das fotografiert und das Cover gestaltet? Warum machst du nicht beides für uns?“ Da musste ich akzeptieren, dass ich tatsächlich Fotograf war. Dieser Wandel fand etwa 2001–2002 statt, also vor etwa zwanzig Jahren.

Wenn ich mich heute entscheiden müsste, würde ich sagen, dass ich in erster Linie Fotograf bin – alles andere ergibt sich daraus.

Jeder Fotograf entwickelt einen persönlichen Stil oder eine persönliche Handschrift. Wie würden Sie Ihre fotografische Vision beschreiben und wie hat sie sich entwickelt?

Mark de Paola:

Wenn ich ein Wort wählen müsste, wäre es „natürlich“. Meine Bilder sind nicht stark von Technik oder dem, was als „richtig“ gilt, geprägt. Ich bevorzuge einen lockereren Ansatz, der lebendig und authentisch wirkt.

Im Laufe meiner Karriere haben mich Menschen gerade deshalb engagiert, weil meine Arbeiten nicht überproduziert oder inszeniert wirken. Sie wollen etwas, das sich authentisch und ungezwungen anfühlt. Das ist der rote Faden, der sich von meinen frühen Arbeiten bis heute zieht.

Todd Hido:

Meine Arbeiten haben immer eine starke Atmosphäre und Stimmung. Ich kann sehr scharfe, geradlinige Bilder von Architektur und Häusern machen, und das macht mir Spaß. Aber wenn ich in der Landschaft bin, fühle ich mich oft zu „Zwischenzuständen“ hingezogen – Nebel, Regen, schlechtes Wetter. Diese Umgebungen sind zu einem Markenzeichen meiner Arbeit geworden.

Die Nacht ist für mich besonders wichtig. Die Nacht hat viele Farben; man kann sie warm, kühl, grün oder künstlich gestalten. Sie bietet eine riesige Palette. Mein „filmischer“ Stil der Nachtfotografie hat sich ganz natürlich entwickelt, als ich diese Möglichkeiten erforschte.

Ironischerweise habe ich Fotografie zunächst auf sehr technische Weise gelernt: 8×10-Fachkameras, Studiobeleuchtung, Blitzgeräte, alles darauf ausgerichtet, ein kommerzieller Fotograf zu werden. Später besuchte ich eine Kunstschule – die School of the Museum of Fine Arts in Boston –, wo man lernte, wie man sieht, Werke schafft und Bücher gestaltet. Ich habe also zuerst die Technik gelernt und dann die Kunst. Ich mache immer noch nichts „nach Lehrbuch“ – ich mache es so, wie ich es mir vorstelle.

Copyright: Todd Hido

 

Mathieu Bitton:

Für mich ist das größte Kompliment, wenn jemand ein Bild in einer Zeitschrift oder auf Instagram sieht und sagt: „Ich wusste, dass das von dir ist.“ Diese Wiedererkennbarkeit ist mir wichtig.

Ich würde meine Arbeit als akzentuierte Realität beschreiben. Ich arbeite nicht viel mit Photoshop, sondern versuche, die Essenz einer Person einzufangen, insbesondere bei Musikern oder Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens. Prominente werden ständig fotografiert und mögen das oft nicht, aber wenn sie sich auf meinen Bildern sehen und sagen: „Das bin wirklich ich“, bedeutet mir das alles.

Manchmal bin ich mit einem ganzen Team bei einer großen Kampagne dabei und mache nur ein paar Aufnahmen im Hintergrund. Später möchte der Künstler oder das Label mein Bild verwenden, weil es sich echt anfühlt, auch wenn wir uns über die Verwendung oder das Budget streiten müssen.

Mein Stil zeichnet sich also durch kontrastreiche Realität und Authentizität aus. Es ist das, was da ist, leicht in meine eigene Welt verschoben.

Wenn Sie ein Foto planen oder erstellen, welche Elemente – Licht, Motiv, Ort, Bewegung – sind für Sie am wichtigsten?

Mark de Paola:

Wie Todd habe ich eine sehr technische Ausbildung genossen. Ich habe mit einer 8×10-Kamera gelernt, daher bin ich mit natürlichem oder künstlichem Licht und allen technischen Aspekten vertraut.

Ich bin jedoch dafür bekannt, dass ich aus allem etwas machen kann – dass ich in jeder Situation schnell erkennen kann, wo die Magie liegt. Es ist kein bestimmtes Element, sondern die Sensibilität, einen Lichtstrahl, eine Reflexion, einen Farbstich zu erkennen und dann zu nutzen.

Ich habe einmal hier in Paris ein Shooting für Gucci gemacht. Wir waren in einem Hotel und warteten auf ein Model, während die Friseure und Visagisten arbeiteten. Ich ging ins Badezimmer und bemerkte die roten Wände und eine kleine Wandleuchte, die rotes Licht warf. Als das Model fertig war, erwarteten alle, dass wir auf der Straße beginnen würden, aber ich sagte: „Lasst uns im Badezimmer anfangen.“ Das Team war aus Seoul eingeflogen und hielt mich wahrscheinlich für verrückt – aber diese Bilder wurden zu Schlüsselbildern.

Meine Priorität ist es also, jedes Licht zu sehen und es zu nutzen, um etwas Einzigartiges und Schönes zu schaffen, selbst an Orten, die die meisten Menschen ablehnen würden.

Todd Hido:

Der beste Ort zum Fotografieren ist überall dort, wo Licht ist.

Ich habe Porträts auf dem Treppenabsatz meines Hauses gemacht, weil es dort ein Buntglasfenster gibt, das ein unglaubliches Licht erzeugt. Die Bilder sehen aus, als wären sie in einem Studio oder einem Malatelier entstanden, aber es ist nur eine seltsame Stelle auf einer Treppe.

Für mich muss das Licht stimmen. An einem strahlend sonnigen Tag mit blauem Himmel mache ich mir oft gar nicht die Mühe, draußen zu fotografieren. Ich bevorzuge die Dämmerung, bewölkten Himmel, Regen oder Schnee – Bedingungen mit Nuancen und Atmosphäre. Ich bin kein „sonniger f/16”-Fotograf.

Ja, Motiv und Ort sind wichtig, aber wenn das Licht nicht interessant ist, mache ich in der Regel einfach kein Foto.

Mathieu Bitton:

Vieles, was ich mache, wird eher vom Moment als von aufwendigen Inszenierungen bestimmt. Ich bin ständig unterwegs, treffe mich mit Künstlern, fotografiere hinter den Kulissen, auf der Bühne, auf der Straße oder eigentlich überall, sodass ich ständig dem Geschehen in Echtzeit hinterherjage.

Allerdings habe ich kürzlich entdeckt, wie wirkungsvoll es sein kann, einen kontrollierten Raum in der Nähe meines Zuhauses zu schaffen. Zum ersten Mal habe ich mehrere Shootings in meinem Garten in Malibu gemacht. Das Licht fiel in einem wunderschönen Muster durch die Bäume, und mir wurde klar: Das ist ein perfektes kleines Outdoor-Studio.

Also haben wir einen Hintergrund und einige Scheinwerfer aufgestellt, und plötzlich kamen großartige Schauspieler und Musiker nach Malibu. Wir haben im Garten fotografiert und sind dann vielleicht drei Minuten zum Strand hinuntergelaufen.

Was wir alle drei gemeinsam haben, ist, dass unsere Fotos nicht übermäßig kompliziert sind. Sie können einfach aufgebaut sein, aber hinter dieser Einfachheit stecken Jahrzehnte harter Arbeit und Übung. Das ist der Teil, den die Leute oft unterschätzen.

Copyright: Mathieu Bitton

Gab es von Ihren Anfängen bis heute einen Wendepunkt oder eine Herausforderung, die Ihren Werdegang als Künstler geprägt hat?

Mark de Paola:

Es gab einige große Wendepunkte.

Einer kam, als ich an der USC Jura studierte und beschloss, dass ich kein Anwalt werden wollte. Ich ging zu einem Filmmagazin, um eine kleine Anzeige aufzugeben: „Mark de Paola Photography“ mit meiner Telefonnummer.

Eine Frau im Büro starrte mich immer wieder an. Schließlich rief sie mich zu sich und fragte: „Sind Sie gut?“ Ich sagte: „Ich bin ... gut.“ Sie wiederholte: „Nein – sind Sie wirklich gut?“ Ich legte nach: „Ja, ich bin wirklich gut.“

Sie sagte: „Ich brauche ein Titelbild von Henry Fonda.“ Das wurde mein erster Auftrag: einen der bekanntesten Schauspieler des amerikanischen Kinos für ein Magazin-Cover zu fotografieren – ohne dass jemand auch nur ein einziges meiner Bilder gesehen hatte.

Sehr schnell fand ich mich in der Welt der Prominenten wieder. Kurz darauf fotografierte ich eine weitere extrem berühmte Person, und mit 24 wurde mir ein Cover für die Vogue Mexico angeboten. Ich dachte ehrlich gesagt, es sei ein Scherzanruf. Diese Erfahrungen legten den Grundstein für meine Arbeit in den Bereichen Film, Mode und Beauty, die bis heute andauert.

Todd Hido:

Zwei große Veränderungen stechen besonders hervor.

Die erste war, als ich anfing, nachts zu fotografieren. Damals fand meine Arbeit wirklich ihre narrative, filmische Qualität. Mein erstes Buch, House Hunting, erschien 2001, aber diese Bilder entstanden schon Jahre zuvor, etwa 1995–96, als ich für mein Studium nach Kalifornien zog.

Der zweite Wendepunkt war das Fotografieren durch die Windschutzscheibe eines Autos. Mein erster Versuch war eigentlich ein Zufall während eines schneereichen Winters in Ohio. Als ich anhielt, um zu fotografieren, glitt Schnee über meine Windschutzscheibe. Ich machte das Foto trotzdem. Erst später wurde mir klar, wie sehr mir diese Idee gefiel, durch etwas hindurch zu fotografieren – um ein malerischeres, atmosphärischeres Bild zu schaffen.

Und das Studium bei Larry Sultan war entscheidend. Er war mein Mentor und hat mir geholfen, mein Verständnis von Zuhause, Familie und Erzählung in meiner Arbeit zu formen.

Copyright: Todd Hido

 

Mathieu Bitton:

Mein großer Wendepunkt war ein sehr schwieriges Jahr um 2007. Ich wurde mit einer Waffe bedroht, landete im Krankenhaus, unser Haus wurde ausgeraubt und fast meine gesamte Ausrüstung und alle meine Festplatten wurden gestohlen. Viele meiner Arbeiten aus der Zeit vor 2007 sind einfach verschwunden.

Zu dieser Zeit beschäftigte ich mich mit Design, Fotografie, Künstlermanagement, Video und versuchte, ein Merchandising-Geschäft aufzubauen. Ich suchte meinen Freund und Mentor Jeff Ayeroff auf, den legendären Label-Manager. Ich sagte ihm: „Ich fühle mich wie auf der Titanic.“

Er sah mich an und sagte: „Auf deiner Titanic wirst du herausfinden, wie du nicht untergehst.“ Dieser eine Satz hat einen Schalter umgelegt.

Etwa zur gleichen Zeit verbrachte ich Zeit mit Quincy Jones, der zu einem weiteren Mentor wurde. Ich kam mit hundert Projekten zu ihm – Künstlermanagement, Design, Regie, Fotografie. Eines Abends hielt er mich auf und sagte: „Womit verdienst du eigentlich Geld? Du machst zu viele Dinge.“

Er riet mir, mich auf die beiden Bereiche zu konzentrieren, die eine echte Karriere versprachen. Wenn Quincy Jones dir das bei einem Abendessen in seinem Haus sagt, ist das ... sehr aufschlussreich. Mir wurde klar, dass ich das Management und andere Nebenbeschäftigungen aufgeben und mich ganz auf die Fotografie und das Design konzentrieren musste.

Kurz darauf nahm ich wieder Kontakt zu Lenny Kravitz auf und begleitete ihn fast ein Jahrzehnt lang auf seinen Tourneen. Diese Entscheidung – meinen Fokus einzugrenzen – war der wichtigste Wendepunkt in meiner Karriere.

Welche Gewohnheiten oder Denkweisen würden Sie jemandem empfehlen, der heute mit der Fotografie beginnt, abgesehen von den technischen Grundlagen?

Mark de Paola:

Versteifen Sie sich nicht auf Fokus und Schärfe. Es gibt einen riesigen Marketing-Hype um „das schärfste Objektiv“ oder „mehr Megapixel“, aber neurobiologisch gesehen leben unsere Emotionen in den unscharfen Bereichen unseres Blickfelds – und unserer Fotos.

Wenn alles klinisch scharf ist, wird es oft weniger emotional. Todds Arbeit ist ein gutes Beispiel dafür, ebenso wie meine: Wir nehmen unscharfe Elemente als Teil der Erzählung auf.

Also: Folgen Sie nicht blindlings dem Marketing oder den Regeln anderer Leute. Finden Sie Ihre eigene Sichtweise, auch wenn das bedeutet, dass Sie vermeintliche technische „Perfektion“ aufgeben müssen.

Copyright: Mark de Paola

 

Todd Hido:

Experimentieren Sie, aber nicht ewig.

Am Anfang ist es wichtig, verschiedene Ansätze auszuprobieren, damit Sie herausfinden können, was Ihnen zusagt. Aber wenn Sie etwas gefunden haben, das funktioniert, bleiben Sie eine Weile dabei. Wechseln Sie nicht ständig Ihre Kamera, Objektive, Filme oder Ihren Stil.

Einige der größten Fotografen – zum Beispiel Winogrand – haben jahrelang eine Kamera, ein Objektiv und einen Film verwendet. Als ich noch ausschließlich mit Film fotografierte, habe ich eine Kamera, einen Film und ein Papier verwendet. Durch diese Beständigkeit konnte ich wirklich verstehen, was ich tat, und es weiter vorantreiben.

Also: Finden Sie heraus, was Sie interessiert, legen Sie sich fest und bleiben Sie lange genug dabei, um sich intensiv damit zu beschäftigen.

Mathieu Bitton:

Ich liebe ein Zitat von Prince, das ich in meinen Präsentationen verwende: „Es sind nicht die Noten, die etwas funky machen, sondern das, was zwischen den Noten liegt.“

Bei der Fotografie ist es ähnlich. Es kommt nicht nur darauf an, was perfekt fokussiert ist oder was laut Handbuch richtig ist – es kommt auf das dazwischenliegende an, auf die Dinge, die gegen die Regeln verstoßen.

Die meisten der wahren Genies, die ich in der Musik kenne, haben die Schule verlassen, weil ihnen gesagt wurde, was sie nicht tun dürfen – „diese Note passt nicht zu dieser Note“ – und sie mussten ihre eigene Sprache finden. Das Gleiche gilt für die Fotografie.

Das Ziel ist es nicht, „der nächste Todd Hido“ oder „der nächste Mark de Paola“ zu werden. Wenn Ihr Portfolio genau wie das eines anderen aussieht, auch wenn dieser großartig ist, haben Sie den wichtigsten Teil übersprungen: die Entwicklung Ihrer eigenen Identität.

Lernen Sie von anderen, nehmen Sie Einflüsse auf, aber nutzen Sie sie, um Ihre eigene Stimme zu finden – nicht, um die eines anderen zu imitieren.

Wenn Sie sich Ihr eigenes Werk ansehen, was unterscheidet Sie Ihrer Meinung nach von anderen Fotografen? Können Sie das in einem Satz beschreiben?

Mark de Paola:

Ich denke, dass die folgenden Worte auf viele Künstler und Kreative zutreffen könnten, eine Art Zutatenliste für das, was ich als gemeinsame Nenner empfinde: Individualität, Absicht, Erfahrung und Hartnäckigkeit. Ich habe das Gefühl, dass meine Arbeit Anklang findet, weil ich einen Raum der Ehrlichkeit und Urteilsfreiheit schaffe, sodass meine Zusammenarbeit mit anderen die Kraft hat, eine menschliche Wahrheit zu feiern. Auch mein technischer Prozess trägt dazu bei, da ich meine Bilder weder nachbearbeite noch bearbeite.

Todd Hido:

Der filmische Ansatz, den ich verwende, um verschiedene Motive zu fotografieren, wobei ich verschiedene Ansätze für mehrere Genres nutze, wie Nachtbilder, Landschaften und Porträts.

Mathieu Bitton:

Ich glaube, dass ich meinen Bildern ein hyperrealistisches Fantasiegefühl verliehen habe, das das Ergebnis eines sehr seltenen Zugangs ist, den ich zu vielen Menschen erhalten habe, die sich normalerweise in privaten Momenten vor der Kamera nicht so wohl fühlen würden.

Copyright: Mathieu Bitton

 

Erleben Sie eine Spannung oder eine Herausforderung für Ihre künstlerische Freiheit, wenn Sie professionell fotografieren?

Mark de Paola:

Ich werde wegen meiner Kunst und meiner Arbeit engagiert. Ich versuche nicht, meine Kunst anzupassen, um akzeptiert zu werden, oder sie zu verändern, um sie kommerziellen Zwecken anzupassen. Ich mache es auf meine Weise, und diese Individualität spiegelt sich in all meinen Arbeiten wider, egal ob es sich um Werbung, eine Modekampagne oder eine Ausstellung handelt. Für mich ist es wichtig, dass alles widerspiegelt, wer ich als Künstler bin.

Copyright: Mark de Paola

 

Todd Hido:

Überhaupt nicht – ich arbeite gerne professionell, weil ich gerne Zeit mit anderen Menschen verbringe.

Ich habe mehrere Modekampagnen und Editorials gemacht, aber ich muss sagen, dass eine der produktivsten war, als ich mir für sechs Monate Kleidung von einem meiner Lieblingsdesigner ausgeliehen und sie in dieser Zeit für meine Kunstwerke verwendet habe.   Ich konnte Dinge schaffen, die mir wirklich gefielen, und dem Modehaus gleichzeitig zehnmal so viele Bilder liefern wie bei einem üblichen zwei- oder dreitägigen Shooting.

Mathieu Bitton:

Ich glaube, die Anspannung, die ich verspürt habe, rührt nur von meinem eigenen Gefühl her, dieses außergewöhnliche Glück nicht verdient zu haben, an so vielen unglaublichen Orten mit so vielen meiner Helden zu sein.

 

Wie hat sich Ihre Ausrüstung im Laufe der Zeit verändert?

Mark de Paola:

Als ich anfing, war die Branche, ähnlich wie heute, von Schärfe und wahrgenommener Perfektion im Bild besessen. Von Anfang an habe ich nach und nach nach Wegen gesucht, ein Bild oder eine Erzählung weiter zu dekonstruieren, um etwas Emotionaleres zu schaffen und den Betrachter stärker einzubeziehen. Emotionen sind in den unscharfen Bereichen enthalten.

Todd Hido:

Ich bin einfacher geworden. Ich habe weniger Ausrüstung, aber ich möchte diese Ausrüstung an die meisten Orte mitnehmen können, an die ich reise.

Mathieu Bitton:

Für mich ist alles wie eine umgekehrte Scrabble-Sanduhr. Ich habe mir meinen Weg zu meinen Traumkameras und -objektiven erarbeitet, die ich nun leidenschaftlich sammle. Früher „musste” ich mit dem fotografieren, was ich mir leisten konnte, bis meine Arbeit es mir ermöglichte, mit dem zu fotografieren, was ich wollte.

 

Fotografie beinhaltet oft unerwartete Momente, Überraschungen oder Misserfolge. Können Sie uns eine Geschichte über ein Projekt (oder ein Foto) erzählen, das nicht wie geplant verlief, und was Sie daraus gelernt haben?

Mark de Paola:

Ich führte Regie bei einem Werbespot mit einer Oscar-Preisträgerin in Los Angeles, und der Tag begann sehr schwierig, weil es die erste Aufnahme war, wir waren bei der vierzigsten Take und ich bekam nicht die Leistung, die ich von ihr wusste, dass sie bringen konnte. Dennoch blieb ich nach jedem Take geduldig, kniete mich neben sie und gab ihr Anweisungen, bis wir es endlich schafften. Den Rest des Tages lief alles wie am Schnürchen.

Am Ende des Tages erzählte sie mir, dass sie mich eigentlich getestet hatte, um zu sehen, ob ich meine Geduld verlieren würde. „Auch ich muss wissen, dass ich sicher bin.“ Das war eine wichtige Erinnerung für mich, die ich jeden Tag mit mir trage: Sicherheit, Komfort und Anmut sind entscheidende Aspekte für eine erfolgreiche kreative Zusammenarbeit in meiner Arbeit.

Todd Hido:

Mein erster Versuch, durch eine verschmierte Windschutzscheibe zu fotografieren, war ein reiner Zufall. Zu dieser Zeit konzentrierte ich mich hauptsächlich darauf, nachts Vorstadthäuser zu fotografieren, aber tagsüber fuhr ich herum, um nach vielversprechenden Häusern oder Stadtvierteln Ausschau zu halten.

Es war ein schneereicher Winter in Ohio, und als ich anhielt, um ein Foto von der Straße zu machen, rutschte der Schnee, der sich auf dem Dach meines Autos angesammelt hatte, über die Windschutzscheibe. Ich machte das Foto trotzdem, weil es interessant aussah, aber erst viel später wurde mir klar, wie sehr mir diese neue Richtung gefiel.

Mathieu Bitton:

Vor kurzem wurde ich beauftragt, nach London zu fliegen und eine meiner Lieblingskünstlerinnen, Raye, zu fotografieren. Ich hatte sie Anfang des Jahres während eines spontanen Auftritts in LA fotografiert, und sie war von den Fotos so begeistert, dass sie mich bat, ihre neue Single „Where Is My Husband!“ zu fotografieren. Das Shooting verlief phänomenal und wir hatten eine tolle Zeit, aber das Hauptcoverbild wurde vom Requisiteur sabotiert, der ein riesiges Herz angefertigt hatte, das sie und zwei ihrer Musiker über eine belebte Straße tragen sollten.

Das Herz war zu schwer, sodass ich nicht die Aufnahme machen konnte, die ich mir vorgestellt hatte. Also sagte ihr Creative Director, dass sie eine andere Richtung einschlagen würden. Das fühlte sich wie ein persönliches Versagen an, aber glücklicherweise wurden einige der Fotos für die Presse und Rayes großen NFL-Halbzeitauftritt in Großbritannien verwendet. Die Single kam schließlich mit dem ursprünglichen Konzept heraus, aber mit einem BTS-Foto, das zwischen meinen Aufnahmen entstanden war. Es gibt für alles ein erstes Mal! Und ich hoffe, es ist das letzte Mal.

Wenn Sie einem Amateurfotografen, der sein Handwerk verbessern möchte, einen technischen Rat geben könnten, welcher wäre das?

Mark de Paola:

Lassen Sie sich durch die technischen Aspekte des Handwerks nicht davon abhalten, Ihre künstlerische Vision als Künstler weiterzuentwickeln, was viel wichtiger ist. Das heißt, lernen Sie Ihre Ausrüstung in- und auswendig kennen, testen Sie sie täglich und fotografieren Sie alles manuell. Die Kamera weiß nicht, wie Sie das Bild haben möchten, nur Sie wissen das.

Todd Hido:

Probieren Sie am Anfang auf jeden Fall verschiedene Dinge aus, während Sie lernen, damit Sie die verschiedenen technischen Methoden und Ergebnisse der Bildgestaltung verstehen. Das mag zunächst unzusammenhängend erscheinen, aber so finden Sie sehr schnell heraus, was für Sie funktioniert. Wenn Sie dann etwas gefunden haben, das funktioniert, bleiben Sie eine Weile dabei. Arbeiten Sie sich durch die Herausforderungen, die sich mit diesem Ansatz ergeben, anstatt frustriert zu werden und zu einem anderen Stil zu wechseln.

Es ist vielleicht kein technischer Ratschlag, aber ich denke auch, dass Fotografie-Workshops eine großartige Möglichkeit sind, in kurzer Zeit viel zu lernen. Nur ein Teil dieses Lernens kommt vom Kursleiter – das Wichtigste ist, mit anderen kreativen Menschen zusammen zu sein, sich zu verschiedenen Ansätzen inspirieren zu lassen und die Energie zu spüren, die von anderen Fotografen ausgeht.

Mathieu Bitton:

Lernen Sie, manuell zu fokussieren. Auch wenn Sie eine Kamera mit Autofokus haben. Sie werden dadurch viel besser in Ihrem Handwerk. Ich glaube an die Art und Weise, wie Cartier-Bresson fotografiert hat, insbesondere bei der Straßenfotografie.

 

Wie halten Sie Ihre Leidenschaft, Neugier und kreative Inspiration aufrecht, wenn Ihre Arbeit gereift ist – wie setzen Sie Ihre Vision zurück oder erneuern sie, wenn Sie das Gefühl haben, sich zu wiederholen?

Mark de Paola:

Ich habe keine Schwierigkeiten, meine Leidenschaft für Fotografie und Kino aufrechtzuerhalten. Ich bin besessen von der Arbeit, die ich jeden Tag machen darf – eine Wahrheit ans Licht zu bringen, Geschichten zu erzählen und mich ständig selbst zu hinterfragen und zu erforschen, während ich mich als Künstler weiterentwickle.

Todd Hido:

Ich habe oft verschiedene Methoden zum Fotografieren verwendet und arbeite oft an mehreren Projekten gleichzeitig – wenn ich in einem Bereich an meine Grenzen stoße, kann ich zu einem anderen Projekt übergehen und daran arbeiten. Manchmal verschmelzen sie miteinander, aber zumindest hält es mich in Bewegung.

Mathieu Bitton:

Ich war ehrlich gesagt noch nie so inspiriert und begeistert von der Fotografie wie jetzt. Ich fotografiere ständig, an freien Tagen, beim Mittagessen, beim Abendessen, beim Spazierengehen ... sogar heute Abend im Supermarkt! Ich arbeite lange Zeit sehr intensiv, daher finde ich an meinen freien Tagen Erholung, immer noch mit einer Kamera in der Hand. Ich habe das Glück, in Malibu zu leben, wo ich am Strand und in den Bergen spazieren gehen und Sonnenauf- und -untergänge beobachten kann, um Inspiration und Motivation zu finden. Das ist meine Therapie.

 

Wenn Sie nach vorne schauen, welches Projekt oder welche Entdeckung begeistert Sie am meisten (das die Leser noch nicht gesehen haben) und was hoffen Sie, damit ausdrücken oder entdecken zu können?

Mark de Paola:

Ich bin mit meiner Mutter aufgewachsen, einer starken und einflussreichen Frau, Filmproduzentin und Model, die mir vermittelt hat, wie wichtig es ist, authentische Frauengeschichten zu erzählen. Ich habe gerade meinen ersten Spielfilm „A Stab at Heaven“ fertiggestellt und arbeite nun an zwei weiteren Spielfilmprojekten. Dabei suche ich nach Möglichkeiten, Kunstfotografie und Kino miteinander zu verbinden und eine Art Philosophie und Welt zu erweitern, die mir sehr am Herzen liegt: dePaola pictures.

Todd Hido:

Ich war kürzlich in Tokio und fand es sehr interessant, durch die Vororte zu spazieren und Gemeinsamkeiten zu entdecken mit dem, was ich in meiner Nachtarbeit in den Vereinigten Staaten suche. Ich interessiere mich dafür, andere Häuser an anderen Orten zu fotografieren, um die kulturellen Unterschiede und vor allem die Gemeinsamkeiten in unserer Lebensweise zu erforschen.

Mathieu Bitton:

Ich arbeite derzeit an einem neuen Werk mit dem Titel „Rapture in Blue”. Derzeit handelt es sich um ein Naturfotografieprojekt, das zwischen Malibu und Ohio aufgenommen wurde. Ich verwende alte Objektive aus den 1930er- bis 1970er-Jahren. Einige Nahaufnahmen von Wasser sehen aus, als wären sie im Weltraum aufgenommen worden. Ich denke auch darüber nach, ein Musikbuch zu machen, worum mich die Leute schon seit Jahren bitten. Und natürlich fange ich an, über Ideen für ein Dave-Chappelle-Buch nachzudenken. Oder zwei. Außerdem arbeite ich an einer Ausstellung in der schönen neuen Galerie des Soho Grand Hotels in Soho, New York City.