Artikel: 12 Exposures - Episode 7: Riley Harper
12 Exposures - Episode 7: Riley Harper
Als Kalifornier in vierter Generation, hineingeboren in die Filmindustrie, macht Riley seit seinem siebten Lebensjahr Stunts und hat seither an zahlreichen Produktionen mitgewirkt, darunter die Dark-Knight- und Marvel-Filme, Once Upon a Time in Hollywood und Top Gun: Maverick. Bekannt ist er vor allem für seine Arbeit mit Fahrzeugen – eine Fertigkeit, die aus dem Motocross-Rennsport erwuchs, den er ab dem vierten Lebensjahr betrieb. Neben seiner Karriere am Set hatte er stets eine Kamera dabei. Er fotografiert Reise-, Lifestyle- und Automobilgeschichten auf einer Mischung aus analogen und digitalen Leicas, mit einem ausgeprägten Gespür für Atmosphäre, Nostalgie und Authentizität, und setzt heute Kampagnen für Marken aus der Automobil-, Mode-, Hotel- und Lifestyle-Welt in Szene. Angetrieben von Neugier, Handwerkskunst und einer Liebe dazu, den Alltag zu romantisieren, bringt Riley eine persönliche und sehr gelebte Perspektive in alles ein, was er fotografiert.
1. Du bist gerade von einem Monat in Europa zurückgekommen. Wohin hat es dich verschlagen, und gab es einen Ort, der fürs Fotografieren herausstach?
Wir waren überall unterwegs, mit einer ganzen Reihe verschiedener Jobs: Portugal, Italien, Frankreich, und die ganze Zeit über in unterschiedlichen Städten in all diesen Ländern. Größtenteils Fotoarbeit, dazu ein Projekt mit Porsche in Portugal für ein Automobil-Release. Fürs Fotografieren sticht Florenz heraus, auch weil ich gerade erst dort war. Jedes Mal, wenn ich in dieser Stadt bin, macht das Licht etwas Besonderes. Ich weiß nicht, wie Florenz ausgerichtet ist, aber am späten Nachmittag bekommt man diese Lichtstreifen, die durch die Gassen fallen. Viele Städte haben das, aber in Florenz gibt es so viel Grit und Textur an den Wänden, alles ist sehr gealtert. Das Licht in dieser Stadt ist einfach fantastisch.
2. Wie viel Ausrüstung hast du mitgenommen, und macht dich das Arbeiten mit weniger Kameras oder einem einzigen Objektiv kreativer?
Ich hatte insgesamt wahrscheinlich fünf oder sechs Kameras dabei, eine Mischung aus analog und digital. Normalerweise nehme ich mehr mit, als ich brauche. Dann tendiere ich, je nachdem, wie ich mich fühle, wo ich bin und was ich tue, zu einer oder zwei Kameras, einer digitalen und einer analogen. Auf dieser Reise habe ich die ganze Zeit zwischen zwei von ihnen gewechselt. Meine Tasche wurde ordentlich beansprucht, ich habe sie den ganzen Monat in Europa genutzt. Was Einschränkungen angeht: definitiv. Früher habe ich das viel häufiger gemacht, und je nach Projekt oder Reise hilft die Selbstbeschränkung wirklich. Zum Beispiel war ich beim historischen Grand Prix in Monaco, bei dem es nur um alte Autos geht. Dieses Foto hier habe ich mit einer Leica mit einem 50-Millimeter-Objektiv gemacht. Es war das einzige Objektiv, das ich dabeihatte, weil ich nicht mehr als eine Kamera ins Rennen mitnehmen durfte. Also hatte ich nur meine M11-P mit einem 50-Millimeter-Objektiv, und das war die einzige Brennweite, mit der ich überhaupt fotografiert habe. Es war in mancher Hinsicht sehr einschränkend, aber es hat wirklich Spaß gemacht, weil es mich dazu gebracht hat, ein wenig anders darüber nachzudenken, wie ich bestimmte Dinge festhalten würde. Es nimmt einem viele Entscheidungen ab und zwingt einen, mit dem umzugehen, was man vor sich hat. Deshalb mag ich solche Einschränkungen manchmal.
3. Wenn du für den Rest deines Lebens nur eine Kamera behalten dürftest, welche wäre es?
Das ist so schwer. Ich habe zu bestimmten Kameras eine emotionale Bindung und zu anderen eine praktische. Aber komischerweise komme ich immer wieder zur Leica Q2 zurück. Das Q-System ist so unkompliziert und in jeder Situation so gut. Ich war immer ein M-Fotograf und bin es noch, aber ich tendiere in Situationen, in denen ich Vielseitigkeit brauche, zur Q. Wenn es eine einzige Kamera sein müsste, ist die Q einfach perfekt. Sie funktioniert überall. Sie ist eine so simple Kamera, deckt aber jeden Bereich ab. Die emotionalen Bindungen sind eine Mischung aus den Fotos, die ich mit einer Kamera gemacht habe, und dem Gefühl, das mir die Kamera beim Benutzen gibt. Die analoge Leica MP ist eine Kamera, die ich mir gewünscht habe, seit ich als Teenager zum ersten Mal eine M6 besaß: eine schwarz lackierte MP, die mir gehören und sich mit der Zeit einlaufen, verblassen und altern würde. Vor vielleicht zwei oder drei Jahren habe ich mir endlich eine gekauft. Das ist die Kamera, mit der ich emotional am stärksten verbunden bin. Ich liebe sie einfach. Sie ist die, die ich immer wollte, und wenn ich mit ihr fotografiere, tue ich das sehr gezielt und sehr bewusst.
4. Wie entscheidest du auf Reisen an visuell beeindruckenden Orten, dass etwas es wert ist, fotografiert zu werden?
Ehrlich gesagt bin ich nicht die Art von Fotograf, die vieles inszeniert. Ich fotografiere Dinge für mich selbst, und ich glaube, andere Menschen spüren das. Die Leute haben ein wirklich gutes Gespür dafür, was echt ist. Wenn ich also in einem Hotel fotografiere und dort bin, um das Hotel zu erleben, erlebe ich den Ort zuallererst wirklich und fotografiere dann, was ich sehe. Das ist das Gegenteil davon, Dinge zu tun, nur um sie zu fotografieren, und sie ausschließlich während des Shootings zu erleben. Ich möchte für mich selbst die schönsten Dinge tun und dann diese Momente festhalten. Diese Momente können nur echt wirken, weil sie es sind. Ich bin sehr empfindlich gegenüber unechten Momenten. Man erkennt sehr leicht, wenn etwas nicht gelebt und echt ist. Also nichts zu inszenieren und einfach wirklich präsent zu sein, ist der beste Weg.
5. Wie ist die Fotografie überhaupt in dein Leben gekommen?
Wenn ich wirklich weit zurückdenke: Ich bin in Kalifornien aufgewachsen und bin viel Motorrad gefahren und Skateboard gefahren. Wenn ich nicht in der Schule war, war ich den ganzen Tag mit meinen Freunden im Skatepark. Ich erinnere mich, dass ich Skateboard-Videos gemacht und Fotos von meinen Freunden geschossen habe, immer mit einer kleinen Kompaktkamera, einer alten Kamera meiner Mutter, die irgendwo im Haus in einem Schrank lag. Ich ließ den Film in einem Laden namens Costco hier entwickeln und bekam die Bilder etwa zwei Wochen später zurück. Dann kam das Digitale auf, ich hatte diese kleinen Digitalkameras, und ich hatte einfach immer eine Kamera dabei.
Daraus wurde, um die Welt zu reisen und als Stuntman an Filmen zu arbeiten. Vor Instagram, vor allem, machte ich übers Jahr verteilt Surftrips, als Teenager nach Indonesien, und die einzige Möglichkeit, eine Reise festzuhalten, war eine Digitalkamera. Ich kam nach Hause, schloss sie an meinen Computer an und zeigte meiner Familie eine Diashow der Reise, weil es damals keine andere Möglichkeit gab, Fotos zu verschicken. Es gab nie den einen Wendepunkt. Es war immer eine Konstante in meinem Leben. Ich habe es in der Highschool studiert, die Dunkelkammerseite gelernt, aber eigentlich war es einfach, ab etwa zehn oder zwölf Jahren immer eine Kamera dabeizuhaben. Eine Kamera ist für mich ein Werkzeug. Sie ist ein Werkzeug, um Momente festzuhalten, und das war sie immer. Ich versuche, das so zu halten und nicht zu verkopft mit Kameras umzugehen. Der wichtige Teil ist, Dinge zu tun, die echt und authentisch sind, und dann eine Kamera zu haben, um sie festzuhalten.
6. Du hast den Großteil deiner Karriere als Stuntman gearbeitet. Wo kommt dabei die Kreativität ins Spiel?
Das ist das Missverständnis bei Stunts. Es gibt ein paar recht simple Dinge, fahr dieses Auto in jenes andere Auto oder was auch immer es sein mag. Aber die meiste Zeit ist es sehr präzise. Es gibt einen sehr spezifischen Bedarf, der aus dem Drehbuch und vom Regisseur kommt, und dann arbeitet man mit einem ganzen Team von Leuten zusammen, manchmal monatelang, um eine Sequenz zu gestalten. Man hilft ihnen, die Aufnahmen auf kreative Weise zu gestalten, sodass es so dynamisch und intensiv aussieht wie das, was wir im Film darstellen wollen. Man arbeitet mit anderen Abteilungen zusammen, Kameraleuten, Spezialeffekt-Leuten, dem Regisseur und einem ganzen Team von Stuntleuten, alle für ein Ergebnis. Es ist manchmal ein sehr langer Prozess. Man trainiert ständig seine Kreativität, indem man Wege findet, Dinge auf die sicherste und dynamischste Weise zu tun. Jeden Tag gestaltet man eine Sequenz, also trainiert man diesen Muskel permanent.
7. Prägt dieser Hintergrund die Art, wie du fotografierst?
Definitiv. Ich bin auf Filmsets aufgewachsen, auf einigen der größten Filmsets der Welt, umgeben von großartigen Kreativen. Ich war immer am Set und beobachtete die Kamera, verstand, wie sie Dinge aufnahmen, war umgeben von großartigen Regisseuren und Kameraleuten. Egal, welche Art von Fotograf man ist, es ist die eigene Lebenserfahrung, die prägt, wie man fotografiert. Ich fotografiere Dinge ganz anders als Leute, die nie an einem Film gearbeitet haben, weil ich diese Perspektive seit mehr als zwanzig Jahren meines Lebens habe. Man kann gar nicht anders, als daraus zu schöpfen. Bei der Automobilfotografie zum Beispiel mache ich viel Stunt-Fahren. Deshalb versuche ich immer, Autos als Fotograf zu fotografieren, aber auch aus der Perspektive des Fahrers, weil das eine Perspektive ist, die ich wirklich gut kenne. Diese zusätzliche Linse zu haben, durch die man schaut, zu wissen, was ich vom Fahrer will, damit es dynamisch aussieht, und es dann so zu fotografieren, dass all das verstärkt wird – es ist gut, diese mehrfachen Perspektiven zu haben. Die beiden Welten unterscheiden sich auch dramatisch im Maßstab. Man kann das Chaos eines Filmsets mit keiner Art von Fotoshooting vergleichen. Ich habe viele größere Kampagnen-Shootings gemacht, und dreißig bis fünfzig Leute am Set zu haben, ist für mich sehr leicht zu managen, weil ich es gewohnt bin, mit rund dreihundert Leuten umzugehen. Wenn das Shooting kleiner ist, wirkt es leicht.
8. Wenn du dich für ein Motiv entscheiden müsstest, zu dem du immer wieder zurückkehrst, welches wäre es?
Ich glaube, es ist ortsbezogen. Es gibt nichts Besseres, als an einem ganz neuen Ort anzukommen. Ich liebe Lifestyle-Fotografie, zu der sich mein Instagram im Laufe der Zeit entwickelt hat, weil ich immer versuche, das Leben so zu leben, dass es sich wie Urlaub anfühlt, und es schön zu halten. Ich kann gar nicht anders, als Dinge romantisieren zu wollen, sie so schön wie möglich aussehen zu lassen und an Orte zu gehen, die ich für wirklich schön halte. Also Reisefotografie im Allgemeinen und die Hotels, die ich über die Jahre fotografiert habe, dabei eine Perspektive einzubringen, die sehr subjektiv und authentisch ist – das ist wahrscheinlich meine liebste Sache, wenn ich eine auswählen müsste. Ich möchte, dass die Leute das Gefühl haben, tatsächlich dort zu sein. Wenn ich das schaffe, bin ich glücklich. Meine Reisefotografie war nie dazu gedacht, einen Ort zu verkaufen oder Leute davon zu überzeugen, irgendwohin zu reisen. Aber ich kehre seit Jahren an Orte zurück, die ich fotografiert habe, und treffe auf der Straße Leute, die sagen, dass sie dort sind, weil sie meine Fotos gesehen haben. Das passiert ständig. Ein unabsichtlicher Influencer ist das, was ich mich gern nenne.
9. Du betreibst außerdem den Account Nostalgia Killer. Was ist das, und was bedeutet er dir?
Nostalgia Killer war ein rein privater Instagram-Account, den ich um 2019 herum gestartet habe. Ich habe schon immer alte Fotografie geliebt. Ich sammelte Screenshots auf meinem Handy von Dingen, auf die ich stieß, ich machte Fotos in alten Büchern, und ich habe so viele Fotobücher. Ich sah damals nicht viel davon auf Instagram, also hatte ich diesen privaten Account als meine ganz persönliche Datenbank cooler alter Fotos, die ich liebte, und ich fügte ständig etwas hinzu. Ich weiß nicht einmal, warum ich ihn Nostalgia Killer genannt habe. Alte Fotos anzusehen fühlte sich für mich sehr nostalgisch an, aber ich weiß auch, dass Nostalgie nichts Gutes ist, sie kann einen gefangen halten. Es war ein privater Account, also spielte der Name keine Rolle. Dann wurde mir während COVID langweilig, ich machte ihn öffentlich und fing an zu posten, Leute fingen an, ihm zu folgen, und daraus wurde, was er ist.
Die Fotos kamen von überall her. Als ich jünger war und reiste, machte ich mit meinem alten iPhone ein Foto von irgendeinem alten Bild an der Wand eines Cafés. Es konnte alles sein. Ich liebe einfach Geschichte und alte Dinge und Orte, die ich liebe, aus einer anderen Zeit zu sehen. Ich liebe Portofino, ich habe dort geheiratet, es ist eines meiner liebsten kleinen Städtchen, und ich liebe es, alte Bilder von Portofino aus den frühen 1940ern zu sehen, Leute, die dort Filme drehen. Es ist nostalgisch und macht Spaß. Es ist nicht einmal eine Marke, es ist einfach eine zufällige Sache, die ich zum Spaß gemacht habe. Aber ich habe angefangen, Produkte zu verkaufen: Hüte, Reise-Backgammon-Bretter, Dinge, die ich selbst haben wollte. Und ein paar Musik-Playlists in der allgemeinen Stimmung davon, die auf Spotify ziemlich viral gingen. Unmengen von Leuten liebten sie. Es ist ein kleines kreatives Ventil.
10. Du fotografierst viel analog. Was gibt dir Film, das Digital nicht kann?
Es ist wie bei jedem: Wenn man mit Film aufgewachsen ist, bleibt einem das. Was wirklich cool ist: Viele jüngere Generationen haben mit Digital angefangen und den Film später gefunden, was einzigartig ist. Die meisten Leute haben analog fotografiert, dann wurde es so mühsam, dass sie das Digitale fanden und sagten, sie würden nie wieder analog fotografieren. Das war ich lange Zeit. Ich hörte auf, analog zu fotografieren, dann fing ich einfach zum Spaß wieder damit an. Ich fotografierte einen Film und hatte vergessen, wie schön es ist, wenn man so an Digital gewöhnt ist, also entdeckte ich es neu und nutzte es mehr.
Dann fingen Marken an, es zu lieben. Bei manchen Projekten fotografierte ich ein paar Filme analog und größtenteils digital und schickte alles zusammen, ohne ihnen zu sagen, was analog und was digital war. Sie wählten immer die analogen Aufnahmen, ohne dass ich etwas sagte. Also fing ich an, mehr davon zu fotografieren, weil ich wusste, dass das der Look war, den die Leute wollten. Ich glaube, die Leute sehnten sich ein wenig danach, weil so lange alles so digital gewesen war. Jetzt ist es in die andere Richtung gekippt und alle fotografieren analog. Es ist ein komischer Wandel. Ein digitales Produkt lässt einen nicht wirklich irgendetwas fühlen. Am Computer zu schreiben statt in ein Notizbuch ist sauberer und leichter zu kopieren, einzufügen und zu speichern, aber ich werde sehr schnell taub dafür. Der ganze Grund, warum irgendjemand analoge Fotografie liebt, ist, dass sie einen zwingt, langsamer zu werden. Sie bringt einen dazu, jede Aufnahme wertzuschätzen, statt zu viel zu fotografieren und zu hoffen, dass etwas Gutes dabei ist. Sie bringt einen dazu, mehr nachzudenken.
11. Gibt es einen Fotografen, der für deine Art, Fotografie zu betrachten, am prägendsten war?
Es gibt so viele, und das ist so ein Klischee, weil es wahrscheinlich jeder sagen würde, aber ich kann es nicht leugnen: Slim Aarons hatte in jungen Jahren einen enormen Einfluss auf mich. Viele Leute entdecken ihn erst später im Leben. Ich erinnere mich nicht einmal an das erste Mal, als ich auf eines seiner Bücher stieß, aber ich glaube, es war in meinem Highschool-Fotokurs, wo es einen Stapel Fotobücher gab. Ich erinnere mich, dass ich durch sein Werk blätterte und zum ersten Mal Fotografie fühlte.
Ich bin so ein Fan von Nostalgie. Ich glaube nicht, dass irgendjemand sie so gut eingefangen hat wie er, so verwoben mit dem Leben dieser verschiedenen Menschen rund um die Welt und es auf eine so schöne, schlichte Weise fotografierend. Nichts war je übertrieben. Es war einfach das Einfangen von Menschen in ihrem Moment, Momente, die manchmal sehr einzigartig und over the top waren, mit einzigartigen Familien an einzigartigen Orten. Es ist ein Klischee, aber er hatte wahrscheinlich den größten Einfluss darauf, dass ich dasselbe tun wollte: Menschen dazu zu bringen, Fotografie zu fühlen, statt sie nur anzusehen. Das zählt heute mehr. Das Gespür der Menschen für das, was falsch ist, ist sehr sensibel, und mit KI und allem anderen wollen die Leute einfach ein echtes Gefühl und ein echtes Erlebnis, wenn sie Fotografie betrachten.
12. Möchtest du angehenden Fotografen und unserer Community noch etwas mitgeben?
Für angehende Fotografen ist das Wort dieses ganzen Gesprächs: Authentizität. Jeder ist ein Fotograf. Jeder hat ein Auge. Vielleicht ist nicht jeder ein bezahlter Fotograf, aber jeder hat die Chance, ein Fotograf zu sein, und jeder sollte es sein, weil es das beste kreative Ventil ist. Fotografiere, was du liebst. Das ist alles, was wirklich zählt. Fast jeder trägt jeden Tag eine Kamera bei sich, auf seinem Handy, und das ist alles, was man braucht, um den Moment festzuhalten.
