12 Exposures - Épisode 7 : Riley Harper

Californien de quatrième génération, né dans le milieu du cinéma, Riley est cascadeur depuis l’âge de sept ans et a depuis participé à de nombreuses productions, notamment les films « The Dark Knight » et ceux de l’univers Marvel, « Once Upon a Time in Hollywood » et « Top Gun : Maverick ». Il est surtout connu pour son travail avec les véhicules – un talent qui trouve ses racines dans le motocross, qu’il pratique depuis l’âge de quatre ans. Parallèlement à sa carrière sur les plateaux de tournage, il a toujours eu un appareil photo à portée de main. Il photographie des reportages de voyage, de lifestyle et d’automobile à l’aide d’un mélange d’appareils Leica argentiques et numériques, avec un sens aigu de l’atmosphère, de la nostalgie et de l’authenticité, et met aujourd’hui en scène des campagnes pour des marques issues des secteurs de l’automobile, de la mode, de l’hôtellerie et du lifestyle. Animé par la curiosité, le savoir-faire et un amour pour la romantisation du quotidien, Riley apporte une perspective personnelle et très authentique à tout ce qu’il photographie.

1. Tu viens de rentrer d'un séjour d'un mois en Europe. Où es-tu allé, et y a-t-il un endroit qui t'a particulièrement marqué pour la photo ?

Nous avons voyagé un peu partout, en enchaînant toute une série de missions diverses : au Portugal, en Italie, en France, et tout au long de cette période, dans différentes villes de tous ces pays. Principalement du travail de photographie, ainsi qu’un projet avec Porsche au Portugal pour le lancement d’un modèle automobile. En matière de photographie, Florence sort du lot, notamment parce que je viens tout juste d’y être. Chaque fois que je me rends dans cette ville, la lumière y est exceptionnelle. Je ne sais pas comment Florence est orientée, mais en fin d’après-midi, on voit ces rayons de lumière qui filtrent à travers les ruelles. Beaucoup de villes ont ça, mais à Florence, il y a tellement de caractère et de texture sur les murs, tout est très patiné. La lumière dans cette ville est tout simplement fantastique.

2. Combien de matériel as-tu emporté, et le fait de travailler avec moins d'appareils photo ou un seul objectif te rend-il plus créatif ?

J'avais probablement cinq ou six appareils photo avec moi au total, un mélange d'appareils argentiques et numériques. D'habitude, j'en emporte plus que ce dont j'ai besoin. Ensuite, selon mon humeur, l'endroit où je me trouve et ce que je fais, j'ai tendance à n'utiliser qu'un ou deux appareils, un numérique et un argentique. Au cours de ce voyage, j’ai alterné entre deux d’entre elles tout le temps. Mon sac a été mis à rude épreuve, je l’ai utilisé pendant tout le mois que j’ai passé en Europe. Quant aux contraintes : c’est certain. Avant, je le faisais beaucoup plus souvent, et selon le projet ou le voyage, cette auto-restriction m’aide vraiment. Par exemple, j’étais au Grand Prix historique de Monaco, qui est entièrement consacré aux voitures anciennes. J’ai pris cette photo-ci avec un Leica équipé d’un objectif de 50 millimètres. C’était le seul objectif que j’avais emporté, car je n’avais pas le droit d’emporter plus d’un appareil photo à la course. Je n’avais donc que mon M11-P équipé d’un objectif de 50 millimètres, et c’était la seule distance focale avec laquelle j’ai pris des photos. C’était très contraignant à certains égards, mais cela m’a vraiment plu, car cela m’a poussé à réfléchir un peu différemment à la manière dont j’allais immortaliser certaines choses. Cela vous évite de nombreuses décisions et vous oblige à composer avec ce que vous avez sous les yeux. C’est pourquoi j’apprécie parfois ce genre de contraintes.

3. Si tu ne devais garder qu'un seul appareil photo pour le reste de ta vie, lequel choisirais-tu ?

C'est tellement difficile. J'ai un attachement émotionnel à certains appareils photo et un attachement pratique à d'autres. Mais curieusement, je reviens toujours au Leica Q2. Le système Q est tellement simple et performant en toutes circonstances. J’ai toujours été un adepte de la série M et je le suis toujours, mais lorsque j’ai besoin de polyvalence, j’ai tendance à opter pour le Q. S’il ne fallait choisir qu’un seul appareil photo, le Q serait tout simplement parfait. Il fonctionne partout. C’est un appareil si simple, mais qui couvre tous les domaines. Les liens affectifs sont un mélange entre les photos que j’ai prises avec un appareil et le sentiment que cet appareil me procure lorsque je l’utilise. Le Leica MP analogique est un appareil que je rêvais de posséder depuis que j’ai eu mon premier M6, adolescent : un MP laqué noir qui m’appartiendrait et qui, avec le temps, se patinerait, se ternirait et vieillirait. Il y a peut-être deux ou trois ans, je m’en suis enfin acheté un. C’est l’appareil photo auquel je suis le plus attaché émotionnellement. Je l’adore, tout simplement. C’est celui que j’ai toujours voulu, et quand je photographie avec, je le fais de manière très ciblée et très consciente.

4. Lorsque tu voyages dans des lieux visuellement saisissants, comment décides-tu qu’un sujet mérite d’être photographié ?

Pour être honnête, je ne suis pas le genre de photographe qui met beaucoup en scène. Je photographie des choses pour moi-même, et je pense que les autres le ressentent. Les gens ont un très bon instinct pour reconnaître ce qui est authentique. Ainsi, lorsque je photographie dans un hôtel et que je suis là pour découvrir cet établissement, je vis d’abord pleinement les lieux, puis je photographie ce que je vois. C’est tout le contraire de faire des choses uniquement pour les photographier et de ne les vivre que pendant la séance photo. Je veux faire les plus belles choses pour moi-même, puis immortaliser ces instants. Ces instants ne peuvent paraître authentiques que parce qu’ils le sont. Je suis très sensible aux moments qui ne sonnent pas juste. On reconnaît très facilement quand quelque chose n’est pas vécu et n’est pas authentique. Donc, ne rien mettre en scène et simplement être vraiment présent, c’est la meilleure façon de procéder.

5. Comment la photographie est-elle entrée dans ta vie ?

Si je remonte vraiment loin dans mes souvenirs : j'ai grandi en Californie et je faisais beaucoup de moto et de skateboard. Quand je n'étais pas à l'école, je passais toute la journée au skatepark avec mes amis. Je me souviens que je tournais des vidéos de skate et que je prenais des photos de mes amis, toujours avec un petit appareil photo compact, un vieil appareil de ma mère qui traînait quelque part dans un placard de la maison. Je faisais développer la pellicule dans un magasin appelé Costco, ici, et je récupérais les photos environ deux semaines plus tard. Puis le numérique est arrivé, j’avais ces petits appareils photo numériques, et j’avais tout simplement toujours un appareil sur moi.

Cela m’a amené à voyager à travers le monde et à travailler comme cascadeur sur des films. Avant Instagram, surtout, je partais faire des voyages de surf tout au long de l’année, en Indonésie quand j’étais ado, et le seul moyen d’immortaliser un voyage était un appareil photo numérique. Je rentrais chez moi, je la branchais sur mon ordinateur et je montrais à ma famille un diaporama de mon voyage, car à l’époque, il n’y avait pas d’autre moyen d’envoyer des photos. Il n’y a jamais eu de moment décisif. Cela a toujours été une constante dans ma vie. Je me suis formé au lycée, j’ai appris les techniques de la chambre noire, mais en réalité, c’était tout simplement naturel, dès l’âge de dix ou douze ans, d’avoir toujours un appareil photo sur moi. Pour moi, un appareil photo est un outil. C’est un outil pour immortaliser des moments, et ça l’a toujours été. J’essaie de garder cette approche et de ne pas aborder la photographie de manière trop intellectuelle. L’essentiel, c’est de faire des choses qui soient sincères et authentiques, puis d’avoir un appareil photo pour les immortaliser.

6. Tu as passé la majeure partie de ta carrière à travailler comme cascadeur. Dans ce métier, comment s'exprime ta créativité ?

C'est là tout le malentendu concernant les cascades. Il y a quelques actions assez simples, comme faire percuter cette voiture par celle-là, ou quoi que ce soit d'autre. Mais la plupart du temps, c'est très précis. Il y a des exigences très précises qui découlent du scénario et des demandes du réalisateur, puis on travaille avec toute une équipe, parfois pendant des mois, pour mettre en place une séquence. On les aide à concevoir les prises de vue de manière créative, pour que le résultat soit aussi dynamique et intense que ce que l’on souhaite montrer dans le film. On collabore avec d’autres départements : les caméramans, les spécialistes des effets spéciaux, le réalisateur et toute une équipe de cascadeurs, tous unis pour atteindre un même objectif. C’est parfois un processus très long. On exerce constamment sa créativité en trouvant des moyens de faire les choses de la manière la plus sûre et la plus dynamique possible. Chaque jour, on conçoit une séquence, donc on entraîne ce muscle en permanence.

7. Ce contexte influence-t-il ta façon de photographier ?

Tout à fait. J’ai grandi sur des plateaux de tournage, parmi les plus grands au monde, entouré de créatifs exceptionnels. J’étais toujours sur le plateau, j’observais la caméra, je comprenais comment elle capturait les images, j’étais entouré de grands réalisateurs et de grands directeurs de la photographie. Quel que soit le type de photographe que l’on est, c’est notre propre expérience de vie qui façonne notre façon de photographier. Je photographie les choses très différemment de ceux qui n’ont jamais travaillé sur un film, car j’ai cette perspective depuis plus de vingt ans. On ne peut pas s’empêcher de s’en inspirer. En photographie automobile, par exemple, je fais beaucoup de cascades au volant. C’est pourquoi j’essaie toujours de photographier les voitures en tant que photographe, mais aussi du point de vue du conducteur, car c’est une perspective que je connais vraiment bien. Avoir ce prisme supplémentaire à travers lequel on regarde, savoir ce que j’attends du conducteur pour que l’image soit dynamique, puis la photographier de manière à renforcer tout cela : c’est un atout d’avoir ces multiples perspectives. Ces deux univers diffèrent aussi radicalement en termes d’échelle. On ne peut comparer le chaos d’un plateau de tournage à aucune séance photo. J’ai réalisé de nombreuses séances photo pour de grandes campagnes publicitaires, et gérer trente à cinquante personnes sur le plateau ne me pose aucun problème, car j’ai l’habitude de m’occuper d’environ trois cents personnes. Quand la séance est plus modeste, cela semble facile.

8. Si tu devais choisir un thème vers lequel tu reviens sans cesse, lequel serait-ce ?

Je pense que cela dépend des lieux. Il n’y a rien de mieux que d’arriver dans un tout nouvel endroit. J’adore la photographie lifestyle, vers laquelle mon compte Instagram a évolué au fil du temps, car j’essaie toujours de vivre ma vie comme si j’étais en vacances et d’en préserver la beauté. Je ne peux m’empêcher de vouloir romancer les choses, de les rendre aussi belles que possible et de me rendre dans des endroits que je trouve vraiment magnifiques. Donc, la photographie de voyage en général et les hôtels que j’ai photographiés au fil des années, en y apportant un regard très subjectif et authentique – c’est probablement ce que je préfère, si je devais en choisir une seule chose. Je veux que les gens aient l’impression d’être réellement sur place. Si j’y parviens, je suis heureux. Ma photographie de voyage n’a jamais eu pour but de vendre un lieu ou de convaincre les gens de se rendre quelque part. Mais depuis des années, je retourne dans des endroits que j’ai photographiés et je croise dans la rue des gens qui me disent qu’ils sont là parce qu’ils ont vu mes photos. Ça arrive tout le temps. J’aime me qualifier d’« influenceur involontaire ».

9. Tu gères également le compte « Nostalgia Killer ». De quoi s'agit-il, et quelle importance revêt-il pour toi ?

Nostalgia Killer était un compte Instagram purement privé que j'ai lancé vers 2019. J'ai toujours adoré la photographie ancienne. Je collectionnais sur mon téléphone des captures d’écran de ce que je trouvais, je prenais des photos dans de vieux livres, et j’ai énormément d’albums photo. À l’époque, je ne voyais pas grand-chose de tout ça sur Instagram, alors j’ai créé ce compte privé pour en faire ma base de données personnelle de vieilles photos sympas que j’adorais, et j’y ajoutais sans cesse de nouvelles images. Je ne sais même pas pourquoi je l’ai appelé « Nostalgia Killer ». Regarder de vieilles photos me procurait un sentiment très nostalgique, mais je sais aussi que la nostalgie n’est pas une bonne chose, elle peut vous emprisonner. C’était un compte privé, donc le nom n’avait pas d’importance. Puis, pendant la pandémie, je me suis ennuyé, je l’ai rendu public et j’ai commencé à publier des posts ; des gens ont commencé à le suivre, et c’est ainsi qu’il est devenu ce qu’il est aujourd’hui.

Les photos venaient de partout. Quand j’étais plus jeune et que je voyageais, je prenais avec mon vieil iPhone une photo d’une vieille image accrochée au mur d’un café. Ça pouvait être n’importe quoi. J’adore tout simplement l’histoire, les vieilles choses et voir les endroits que j’aime sous un autre jour, celui d’une autre époque. J’adore Portofino, je m’y suis marié, c’est l’une de mes petites villes préférées, et j’adore regarder de vieilles photos de Portofino datant du début des années 1940, où l’on voit des gens y tourner des films. C’est nostalgique et amusant. Ce n’est même pas une marque, c’est juste un projet spontané que j’ai lancé pour m’amuser. Mais j’ai commencé à vendre des produits : des chapeaux, des plateaux de backgammon de voyage, des objets que j’aurais moi-même aimé avoir. Et quelques playlists musicales dans le même esprit, qui sont devenues assez virales sur Spotify. Des tas de gens les ont adorées. C’est un petit exutoire créatif.

10. Tu fais beaucoup de photos argentiques. Qu'est-ce que la pellicule t'apporte que le numérique ne peut pas t'apporter ?

C'est comme pour tout le monde : quand on a grandi avec la pellicule, ça reste ancré en soi. Ce qui est vraiment cool, c'est que beaucoup de jeunes ont commencé par le numérique avant de découvrir la pellicule plus tard, ce qui est unique. La plupart des gens ont commencé par la photo argentique, puis c’est devenu tellement fastidieux qu’ils se sont tournés vers le numérique en se disant qu’ils ne refaisaient plus jamais de photos argentiques. J’ai longtemps été comme ça. J’ai arrêté la photo argentique, puis je m’y suis remis juste pour le plaisir. J'ai pris une pellicule et j'avais oublié à quel point c'était agréable quand on est tellement habitué au numérique ; je l'ai donc redécouvert et je m'en suis davantage servi.

Puis les marques ont commencé à adorer ça. Pour certains projets, je prenais quelques clichés en argentique et la plupart en numérique, puis j’envoyais le tout sans leur préciser ce qui était en argentique et ce qui l’était pas. Ils choisissaient toujours les clichés argentiques, sans que j’aie besoin de leur dire quoi que ce soit. J’ai donc commencé à en prendre davantage, car je savais que c’était le rendu que les gens recherchaient. Je pense que les gens en avaient un peu la nostalgie, car tout avait été si « numérique » pendant si longtemps. Maintenant, la tendance s’est inversée et tout le monde photographie en argentique. C’est un changement étrange. Un produit numérique ne suscite pas vraiment d’émotion. Écrire sur un ordinateur plutôt que dans un carnet est plus propre et plus facile pour copier, coller et enregistrer, mais je m’y désensibilise très vite. La raison pour laquelle on aime la photographie argentique, c’est qu’elle nous oblige à ralentir. Elle nous pousse à apprécier chaque cliché, plutôt que de prendre trop de photos en espérant qu’il y en ait une de bonne. Elle nous incite à réfléchir davantage.

11. Y a-t-il un photographe qui a le plus influencé ta façon d'aborder la photographie ?

Ils sont si nombreux, et c’est un tel cliché – parce que tout le monde le dirait probablement –, mais je ne peux pas le nier : Slim Aarons a eu une influence considérable sur moi quand j’étais jeune. Beaucoup de gens ne le découvrent que plus tard dans leur vie. Je ne me souviens même pas de la première fois où je suis tombé sur l’un de ses livres, mais je crois que c’était dans mon cours de photo au lycée, où il y avait une pile d’ouvrages sur la photographie. Je me souviens avoir feuilleté son œuvre et avoir ressenti pour la première fois ce qu’était la photographie.

Je suis une grande fan de nostalgie. Je ne pense pas que quiconque ait su la capturer aussi bien que lui, en l’entremêlant ainsi à la vie de ces différentes personnes à travers le monde et en la photographiant d’une manière si belle et si simple. Rien n’était jamais exagéré. Il s’agissait simplement de capturer des personnes dans l’instant présent, des instants parfois très singuliers et extravagants, avec des familles uniques dans des lieux exceptionnels. C’est un cliché, mais c’est sans doute lui qui m’a le plus influencé et m’a donné envie de faire la même chose : amener les gens à ressentir la photographie, plutôt que de se contenter de la regarder. C’est ce qui compte le plus aujourd’hui. Les gens ont un sens très aigu de ce qui ne va pas, et avec l’IA et tout le reste, ils veulent simplement ressentir une émotion authentique et vivre une expérience authentique lorsqu’ils regardent une photo.

12. As-tu un conseil à donner aux futurs photographes et à notre communauté ?

Pour les photographes en herbe, le mot clé de toute cette discussion est : l’authenticité. Tout le monde est photographe. Tout le monde a l’œil. Tout le monde n’est peut-être pas photographe professionnel, mais chacun a la possibilité d’être photographe, et chacun devrait l’être, car c’est le meilleur exutoire créatif qui soit. Photographie ce que tu aimes. C'est tout ce qui compte vraiment. Presque tout le monde a un appareil photo sur soi tous les jours, sur son téléphone portable, et c'est tout ce dont on a besoin pour immortaliser l'instant.