12 Exposures - Episodes 2 : Mark de Paola, Todd Hido et Mathieu Bitton
Trois photographes, trois écritures et un moment commun à Paris. Le 5 novembre, nous avons rencontré Mark de Paola, Todd Hido et Mathieu Bitton pour un entretien personnel sur les débuts, les tournants et les décisions silencieuses derrière les grandes images. Entre cafés et studios, ils nous ont accompagnés avec exactement les sacs qui caractérisent leur travail quotidien : Mathieu avec le Weekender Nelson L, Todd avec le Messenger Bag Little William et Mark avec le Signature Bag M. Une interview sur la photographie en tant qu'attitude, sur l'intuition plutôt que sur la perfection et sur ce qui reste quand la technique passe au second plan.
from left to right : Mark de Paola, Todd Hido et Mathieu Bitton
Vous êtes tous venus à la photographie de différentes manières. Comment avez-vous commencé et qu'est-ce qui vous a poussés à la pratiquer professionnellement ?
Mark de Paola :
Mon histoire commence très tôt. Mon père était photographe, j'ai donc grandi avec des appareils photo. Quand j'étais un garçon à New York, j'allais souvent à Central Park pour photographier la culture des jeunes avec un Nikon et un objectif de 200 mm que mon beau-père avait ramené du Japon. Je me sentais comme un "professionnel", jusqu'au jour où j'ai été menacé d'une arme dans le parc et où on m'a volé mon sac d'appareil photo.
Soudain, je n'avais plus d'appareil photo, et c'est là que j'ai réalisé à quel point la photographie faisait partie de mon identité, même à 12 ans. J'ai rassemblé de l'argent et je me suis acheté un Leica M3 avec un Summicron pliable. Cela a tout changé. Avec un objectif de 50 mm, on ne peut pas se cacher, on est au cœur de l'action. Les jeunes filles hippies me tapotaient la tête et me disaient : "Garçon photo, prends-moi en photo". Pour un garçon de 12 ans, c'était assez impressionnant. C'est ainsi qu'a commencé ma vie avec Leica et avec la photographie en tant que participant actif.
Todd Hido :
Je suis venu à la photographie dans les années 1980 en participant à des courses de BMX. À l'époque, on ne pouvait pas simplement filmer ses amis avec son téléphone portable, il fallait apprendre à prendre des photos. J'ai donc photographié mes amis en train de sauter sur des rampes et de faire des figures. Cela m'a pris.
Je n'ai jamais rien fait d'autre professionnellement. Vers 15 ou 16 ans, j'ai commencé à travailler avec un Nikon, et depuis, je suis essentiellement photographe.
Bien plus tard, vers 2020, je suis passé à Leica. Mon ami Jason Momoa, qui est obsédé par Leica et la collection d'appareils photo, a réalisé un film sur mon travail. Il m'a fait découvrir Leica en m'en offrant littéralement un. La qualité était incroyable, et je n'ai jamais vraiment regardé en arrière.
Mathieu Bitton :
Je suis un photographe tardif. J'ai grandi à Paris et je visitais les marchés aux puces tous les dimanches avec mon père, qui collectionnait les tableaux et les meubles du milieu du siècle. J'ai toujours été fasciné par les photographies dans ces galeries - surtout quand quelqu'un avait des tirages d'Avedon au mur.
Sur le plan professionnel, j'ai commencé à travailler comme directeur artistique et designer dans le domaine de la musique. La photographie était quelque chose que je faisais à côté - je photographiais des amies, des amis musiciens, je créais des pochettes d'album parce que j'avais "un appareil photo".
Mon problème, c'est que mes amis étaient de vrais photographes, des gens comme Jean-Baptiste Mondino, et je ne voulais pas dire que je faisais la même chose qu'eux. Je me persuadais que j'étais du genre design, que la photographie n'était qu'un hobby. Et beaucoup de mes amis m'ont fait comprendre que je devais rester dans mon domaine. Le secteur du design.
Finalement, les responsables des maisons de disques ont remarqué que les photos des albums que je concevais étaient aussi de moi : "Attends, c'est toi qui as photographié ça et qui as fait la pochette ? Pourquoi ne fais-tu pas les deux pour nous" ? C'est là que j'ai dû accepter que j'étais effectivement photographe. Ce changement a eu lieu vers 2001-2002, il y a donc une vingtaine d'années.
Si je devais choisir aujourd'hui, je dirais que je suis avant tout photographe - tout le reste en découle.
Chaque photographe développe un style ou une écriture personnelle. Comment décririez-vous votre vision photographique et comment s'est-elle développée ?
Mark de Paola :
Si je devais choisir un mot, ce serait "naturel". Mes images ne sont pas fortement influencées par la technique ou par ce qui est considéré comme "correct". Je préfère une approche plus décontractée, qui semble vivante et authentique.
Au cours de ma carrière, les gens m'ont engagé précisément parce que mon travail ne semble pas surproduit ou mis en scène. Ils veulent quelque chose d'authentique et de décontracté. C'est le fil conducteur de mes premiers travaux jusqu'à aujourd'hui.
Todd Hido :
Mes travaux ont toujours une atmosphère et une ambiance fortes. Je peux faire des photos très nettes et rectilignes d'architecture et de maisons, et cela me plaît. Mais lorsque je suis dans le paysage, je suis souvent attiré par des "états intermédiaires" - le brouillard, la pluie, le mauvais temps. Ces environnements sont devenus une marque de fabrique de mon travail.
La nuit est particulièrement importante pour moi. La nuit a de nombreuses couleurs ; on peut la rendre chaude, froide, verte ou artificielle. Elle offre une palette immense. Mon style "cinématographique" de photographie nocturne s'est développé naturellement lorsque j'ai exploré ces possibilités.
Ironiquement, j'ai d'abord appris la photographie de manière très technique : appareils photo 8×10, éclairage de studio, flashs, tout cela dans le but de devenir un photographe commercial. Plus tard, j'ai fréquenté une école d'art - la School of the Museum of Fine Arts à Boston - où l'on apprenait à voir, à créer des œuvres et à mettre en page des livres. J'ai donc d'abord appris la technique, puis l'art. Je ne fais toujours rien "selon le manuel" - je le fais comme je l'imagine.
Copyright : Todd Hido
Mathieu Bitton :
Pour moi, le plus grand compliment, c'est quand quelqu'un voit une photo dans un magazine ou sur Instagram et dit : "Je savais que c'était de toi". Cette reconnaissance est importante pour moi.
Je décrirais mon travail comme une réalité accentuée. Je ne travaille pas beaucoup avec Photoshop, mais j'essaie de capturer l'essence d'une personne, en particulier pour les musiciens ou les personnalités publiques. Les célébrités sont constamment photographiées et n'aiment souvent pas cela, mais lorsqu'elles se voient sur mes photos et disent : "C'est vraiment moi", cela signifie tout pour moi.
Parfois, je participe à une grande campagne avec toute une équipe et je ne fais que quelques photos en arrière-plan. Plus tard, l'artiste ou le label veut utiliser mon image parce qu'elle donne l'impression d'être vraie, même si nous devons nous disputer sur son utilisation ou sur le budget.
Mon style se caractérise donc par une réalité et une authenticité contrastées. C'est ce qui est là, légèrement décalé dans mon propre monde.
Lorsque vous planifiez ou créez une photo, quels sont les éléments - lumière, sujet, lieu, mouvement - qui sont les plus importants pour vous ?
Mark de Paola :
Comme Todd, j'ai reçu une formation très technique. J'ai appris avec un appareil photo 8×10, je suis donc familier avec la lumière naturelle ou artificielle et tous les aspects techniques.
Mais je suis connue pour ma capacité à faire quelque chose de n'importe quoi - à voir rapidement où se trouve la magie dans n'importe quelle situation. Il ne s'agit pas d'un élément particulier, mais de la sensibilité à reconnaître un rayon de lumière, un reflet, une nuance de couleur, puis à les utiliser.
Une fois, j'ai fait un shooting ici à Paris pour Gucci. Nous étions dans un hôtel et attendions un modèle pendant que les coiffeurs et les maquilleurs travaillaient. Je suis allée dans la salle de bain et j'ai remarqué les murs rouges et une petite applique qui projetait une lumière rouge. Lorsque le modèle a été prêt, tout le monde s'attendait à ce que nous commencions dans la rue, mais j'ai dit : "Commençons dans la salle de bain". L'équipe était venue de Séoul en avion et m'a probablement pris pour un fou - mais ces images sont devenues des images clés.
Ma priorité est donc de voir chaque lumière et de l'utiliser pour créer quelque chose d'unique et de beau, même dans des endroits que la plupart des gens rejetteraient.
Todd Hido :
Le meilleur endroit pour prendre des photos est partout où il y a de la lumière.
J'ai fait des portraits sur le palier de mon immeuble parce qu'il y a un vitrail qui produit une lumière incroyable. Les photos ont l'air d'avoir été prises dans un studio ou un atelier de peinture, mais ce n'est qu'un endroit étrange sur un escalier.
Pour moi, la lumière doit être parfaite. Souvent, lors d'une journée ensoleillée avec un ciel bleu, je ne me donne même pas la peine de photographier à l'extérieur. Je préfère le crépuscule, un ciel nuageux, la pluie ou la neige - des conditions avec des nuances et une atmosphère. Je ne suis pas un photographe "f/16 ensoleillé".
Oui, le sujet et le lieu sont importants, mais si la lumière n'est pas intéressante, en général je ne fais tout simplement pas de photo.
Mathieu Bitton :
Une grande partie de ce que je fais est déterminée par l'instant plutôt que par des mises en scène élaborées. Je suis toujours en déplacement, je rencontre des artistes, je prends des photos en coulisses, sur scène, dans la rue ou partout ailleurs, si bien que je suis constamment en train de suivre l'action en temps réel.
Cependant, j'ai récemment découvert à quel point il pouvait être efficace de créer un espace contrôlé près de chez moi. Pour la première fois, j'ai fait plusieurs shootings dans mon jardin à Malibu. La lumière traversait les arbres en un magnifique motif et j'ai réalisé que c'était un petit studio d'extérieur parfait.
Nous avons donc installé un arrière-plan et quelques projecteurs, et soudain, de grands acteurs et musiciens sont venus à Malibu. Nous avons pris des photos dans le jardin, puis nous avons marché peut-être trois minutes jusqu'à la plage.
Ce que nous avons tous les trois en commun, c'est que nos photos ne sont pas excessivement compliquées. Elles peuvent être de construction simple, mais derrière cette simplicité, il y a des décennies de travail acharné et de pratique. C'est la partie que les gens sous-estiment souvent.
Copyright : Mathieu Bitton
Depuis vos débuts jusqu'à aujourd'hui, y a-t-il eu un tournant ou un défi qui a marqué votre parcours d'artiste ?
Mark de Paola :
Il y a eu quelques grands tournants.
L'un d'entre eux s'est produit lorsque j'ai étudié le droit à l'USC et que j'ai décidé que je ne voulais pas devenir avocat. Je suis allé dans un magazine de cinéma pour passer une petite annonce : "Mark de Paola Photography" avec mon numéro de téléphone.
Une femme dans le bureau n'arrêtait pas de me fixer. Finalement, elle m'a appelé et m'a demandé : "Vous êtes bon ?" Je répondis : "Je suis ... bien". Elle a répété : "Non - êtes-vous vraiment bon ?" J'ai renchéri : "Oui, je suis vraiment bon".
Elle m'a dit : "J'ai besoin d'une photo de couverture d'Henry Fonda". Ce fut ma première mission : photographier l'un des acteurs les plus célèbres du cinéma américain pour la couverture d'un magazine - sans que personne n'ait vu une seule de mes photos.
Très vite, je me suis retrouvé dans le monde des célébrités. Peu de temps après, j'ai photographié une autre personne extrêmement célèbre et, à 24 ans, on m'a proposé une couverture pour Vogue Mexico. Honnêtement, je pensais qu'il s'agissait d'un canular. Ces expériences ont posé les bases de mon travail dans les domaines du cinéma, de la mode et de la beauté, qui se poursuit encore aujourd'hui.
Todd Hido :
Deux grands changements ressortent particulièrement.
Le premier, c'est quand j'ai commencé à faire des photos de nuit. C'est à ce moment-là que mon travail a vraiment trouvé sa qualité narrative et cinématographique. Mon premier livre, House Hunting, est paru en 2001, mais ces images avaient été prises des années auparavant, vers 1995-96, lorsque j'ai déménagé en Californie pour mes études.
Le deuxième tournant a été de photographier à travers le pare-brise d'une voiture. Ma première tentative était en fait un hasard lors d'un hiver neigeux dans l'Ohio. Lorsque je me suis arrêté pour prendre une photo, la neige a glissé sur mon pare-brise. J'ai quand même pris la photo. Ce n'est que plus tard que j'ai réalisé à quel point j'aimais cette idée de photographier à travers quelque chose - pour créer une image plus pittoresque, plus atmosphérique.
Et les études avec Larry Sultan ont été décisives. Il a été mon mentor et m'a aidé à façonner ma compréhension de la maison, de la famille et du récit dans mon travail.
Copyright : Todd Hido
Mathieu Bitton :
Mon grand tournant a été une année très difficile vers 2007. J'ai été menacé avec une arme, j'ai fini à l'hôpital, notre maison a été cambriolée et presque tout mon équipement et tous mes disques durs ont été volés. Une grande partie de mon travail d'avant 2007 a tout simplement disparu.
À cette époque, je m'occupais de design, de photographie, de gestion d'artistes, de vidéo et j'essayais de monter une entreprise de merchandising. Je suis allé voir mon ami et mentor Jeff Ayeroff, le légendaire manager du label. Je lui ai dit : "J'ai l'impression d'être sur le Titanic".
Il m'a regardé et m'a dit : "Sur ton Titanic, tu trouveras comment ne pas couler". Cette seule phrase a fait basculer un interrupteur.
À peu près à la même époque, j'ai passé du temps avec Quincy Jones, qui est devenu un autre mentor. Je venais le voir avec une centaine de projets - management d'artistes, design, mise en scène, photographie. Un soir, il m'a arrêté et m'a dit : "Comment gagnes-tu ta vie ? Tu fais trop de choses".
Il m'a conseillé de me concentrer sur les deux domaines qui promettaient une vraie carrière. Quand Quincy Jones te dit cela lors d'un dîner chez lui, c'est ... très révélateur. J'ai compris que je devais abandonner le management et d'autres activités annexes pour me consacrer entièrement à la photographie et au design.
Peu de temps après, j'ai repris contact avec Lenny Kravitz et je l'ai accompagné dans ses tournées pendant près de dix ans. Cette décision - restreindre mon champ d'action - a été le tournant le plus important de ma carrière.
Quelles habitudes ou modes de pensée recommanderiez-vous à quelqu'un qui se lance dans la photographie aujourd'hui, en dehors des bases techniques ?
Mark de Paola :
Ne pas se focaliser sur la mise au point et la netteté. Il y a un énorme battage marketing autour de "l'objectif le plus net" ou de "plus de mégapixels", mais d'un point de vue neurobiologique, nos émotions vivent dans les zones floues de notre champ de vision - et de nos photos.
Lorsque tout est cliniquement net, l'émotion est souvent moindre. Le travail de Todd en est un bon exemple, tout comme le mien : Nous enregistrons les éléments flous comme faisant partie de la narration.
Donc : ne suivez pas aveuglément le marketing ou les règles des autres. Trouvez votre propre point de vue, même si cela signifie que vous devez renoncer à une prétendue "perfection" technique.
Copyright : Mark de Paola
Todd Hido :
Expérimentez, mais pas indéfiniment.
Au début, il est important d'essayer différentes approches afin de déterminer ce qui vous convient. Mais une fois que vous avez trouvé quelque chose qui fonctionne, restez-y un certain temps. Ne changez pas constamment d'appareil photo, d'objectif, de film ou de style.
Certains des plus grands photographes - par exemple Winogrand - ont utilisé un appareil, un objectif et une pellicule pendant des années. Lorsque je photographiais exclusivement en argentique, j'utilisais un appareil, une pellicule et un papier. Cette constance m'a permis de vraiment comprendre ce que je faisais et de le pousser plus loin.
Donc : découvrez ce qui vous intéresse, fixez-vous et restez suffisamment longtemps pour vous y consacrer intensément.
Mathieu Bitton :
J'adore une citation de Prince que j'utilise dans mes présentations : "Ce ne sont pas les notes qui rendent quelque chose funky, mais ce qui se trouve entre les notes".
En photographie, c'est un peu la même chose. Ce qui compte, ce n'est pas seulement ce qui est parfaitement mis au point ou ce qui est correct selon le manuel - ce qui compte, c'est ce qui se trouve entre les deux, ce qui va à l'encontre des règles.
La plupart des vrais génies que je connais en musique ont quitté l'école parce qu'on leur a dit ce qu'ils ne devaient pas faire - "cette note ne va pas avec cette note" - et ils ont dû trouver leur propre langage. Il en va de même pour la photographie.
Le but n'est pas de devenir "le prochain Todd Hido" ou "le prochain Mark de Paola". Si votre portfolio ressemble exactement à celui d'un autre, même s'il est formidable, vous avez sauté la partie la plus importante : le développement de votre propre identité.
Apprenez des autres, absorbez les influences, mais utilisez-les pour trouver votre propre voix - pas pour imiter celle d'un autre.
Si vous regardez votre propre travail, qu'est-ce qui, selon vous, vous distingue des autres photographes ? Pouvez-vous le décrire en une phrase ?
Mark de Paola :
Je pense que les mots suivants pourraient s'appliquer à de nombreux artistes et créateurs, une sorte de liste d'ingrédients de ce qui me semble être un dénominateur commun : Individualité, intention, expérience et ténacité. J'ai le sentiment que mon travail trouve un écho parce que je crée un espace d'honnêteté et de liberté de jugement, de sorte que ma collaboration avec les autres a le pouvoir de célébrer une vérité humaine. Mon processus technique y contribue également, puisque je ne retravaille ni ne retouche mes images.
Todd Hido :
L'approche cinématographique que j'utilise pour photographier différents sujets, en utilisant différentes approches pour plusieurs genres, comme les images de nuit, les paysages et les portraits.
Mathieu Bitton :
Je pense avoir donné à mes images un sentiment de fantaisie hyperréaliste, qui est le résultat d'un accès très rare que j'ai obtenu à de nombreuses personnes qui ne seraient normalement pas aussi à l'aise dans des moments privés devant l'appareil photo.
Copyright : Mathieu Bitton
Ressentez-vous une tension ou un défi pour votre liberté artistique lorsque vous prenez des photos professionnelles ?
Mark de Paola :
Je suis engagé pour mon art et mon travail. Je n'essaie pas d'adapter mon art pour être accepté ou de le modifier pour l'adapter à des fins commerciales. Je le fais à ma manière, et cette individualité se reflète dans tous mes travaux, qu'il s'agisse d'une publicité, d'une campagne de mode ou d'une exposition. Pour moi, il est important que tout reflète qui je suis en tant qu'artiste.
Copyright : Mark de Paola
Todd Hido :
Pas du tout - j'aime travailler de manière professionnelle parce que j'aime passer du temps avec d'autres personnes.
J'ai fait plusieurs campagnes de mode et éditoriaux, mais je dois dire que l'un des plus productifs a été lorsque j'ai emprunté des vêtements à l'un de mes designers préférés pendant six mois et que je les ai utilisés pour mes œuvres d'art pendant cette période.J'ai pu créer des choses qui me plaisaient vraiment, tout en fournissant à la maison de couture dix fois plus d'images que lors d'un shooting habituel de deux ou trois jours.
Mathieu Bitton :
Je pense que la tension que j'ai ressentie vient uniquement de mon propre sentiment de ne pas avoir mérité cette chance extraordinaire d'être dans autant d'endroits incroyables avec autant de mes héros.
Comment votre équipement a-t-il évolué au fil du temps ?
Mark de Paola :
Quand j'ai commencé, l'industrie était, comme aujourd'hui, obsédée par la netteté et la perfection perçue dans l'image. Dès le début, j'ai peu à peu cherché des moyens de déconstruire davantage une image ou un récit, afin de créer quelque chose de plus émotionnel et d'impliquer davantage le spectateur. Les émotions sont contenues dans les zones floues.
Todd Hido :
Je suis devenu plus simple. J'ai moins de matériel, mais je veux pouvoir emporter ce matériel dans la plupart des endroits où je voyage.
Mathieu Bitton :
Pour moi, tout est comme un sablier de Scrabble inversé. Je me suis frayé un chemin vers les appareils et les objectifs de mes rêves, que je collectionne désormais avec passion. Avant, je "devais" photographier avec ce que je pouvais me permettre, jusqu'à ce que mon travail me permette de photographier avec ce que je voulais.
La photographie implique souvent des moments inattendus, des surprises ou des échecs. Pouvez-vous nous raconter l'histoire d'un projet (ou d'une photo) qui ne s'est pas déroulé comme prévu et ce que vous en avez appris ?
Mark de Paola :
J'ai dirigé un spot publicitaire avec une actrice oscarisée à Los Angeles, et la journée a commencé très difficilement parce que c'était la première prise, nous en étions à la quarantième prise et je n'ai pas obtenu la performance que je savais qu'elle pouvait apporter. Pourtant, après chaque prise, je suis resté patient, je me suis agenouillé à côté d'elle et je lui ai donné des instructions jusqu'à ce que nous y arrivions enfin. Le reste de la journée, tout s'est déroulé comme sur des roulettes.
À la fin de la journée, elle m'a dit qu'elle m'avait en fait testé pour voir si je perdrais ma patience. "Moi aussi, j'ai besoin de savoir que je suis en sécurité". C'était un souvenir important pour moi, que je porte chaque jour : la sécurité, le confort et la grâce sont des aspects essentiels pour une collaboration créative réussie dans mon travail.
Todd Hido :
Ma première tentative de prendre des photos à travers un pare-brise maculé était une pure coïncidence. À l'époque, je me concentrais principalement sur la photographie de maisons de banlieue la nuit, mais pendant la journée, je conduisais pour repérer des maisons ou des quartiers prometteurs.
C'était un hiver neigeux dans l'Ohio, et lorsque je me suis arrêté pour prendre une photo de la rue, la neige qui s'était accumulée sur le toit de ma voiture a glissé sur le pare-brise. J'ai quand même pris la photo parce que ça avait l'air intéressant, mais ce n'est que bien plus tard que j'ai réalisé à quel point j'aimais cette nouvelle direction.
Mathieu Bitton :
Récemment, on m'a demandé de me rendre à Londres pour photographier une de mes artistes préférées, Raye. Je l'avais photographiée au début de l'année lors d'un concert impromptu à LA, et elle a été si enthousiasmée par les photos qu'elle m'a demandé de photographier son nouveau single "Where Is My Husband ! Le shooting s'est déroulé de manière phénoménale et nous avons passé un excellent moment, mais la photo de couverture principale a été sabotée par l'accessoiriste, qui avait fabriqué un cœur géant qu'elle et deux de ses musiciens devaient porter à travers une rue très fréquentée.
Le cœur était trop lourd, je n'ai donc pas pu faire le plan que j'avais en tête. Leur directeur créatif leur a donc dit qu'ils allaient prendre une autre direction. J'ai eu l'impression d'un échec personnel, mais heureusement, certaines des photos ont été utilisées pour la presse et pour le grand spectacle de Raye à mi-parcours de la NFL en Grande-Bretagne. Le single est finalement sorti avec le concept original, mais avec une photo de BTS prise entre mes enregistrements. Il y a une première fois à tout ! Et j'espère que c'est la dernière fois.
Si vous pouviez donner un conseil technique à un photographe amateur qui souhaite améliorer son métier, quel serait-il ?
Mark de Paola :
Ne laissez pas les aspects techniques du métier vous empêcher de développer votre vision artistique en tant qu'artiste, ce qui est bien plus important. En d'autres termes, apprenez à connaître votre matériel sur le bout des doigts, testez-le quotidiennement et photographiez tout manuellement. L'appareil photo ne sait pas comment vous voulez que l'image soit, vous seul le savez.
Todd Hido :
Au début, essayez de toute façon différentes choses pendant que vous apprenez, afin de comprendre les différentes méthodes techniques et les résultats de la création d'images. Cela peut sembler incohérent au début, mais vous découvrirez ainsi très vite ce qui fonctionne pour vous. Ensuite, lorsque vous avez trouvé quelque chose qui fonctionne, continuez à le faire pendant un certain temps. Travaillez à travers les défis qui se présentent avec cette approche, plutôt que de vous frustrer et de passer à un autre style.
Ce n'est peut-être pas un conseil technique, mais je pense aussi que les ateliers de photographie sont un excellent moyen d'apprendre beaucoup en peu de temps. Seule une partie de cet apprentissage vient du formateur - le plus important est d'être avec d'autres personnes créatives, d'être inspiré par différentes approches et de ressentir l'énergie qui émane des autres photographes.
Mathieu Bitton :
Apprenez à faire la mise au point manuellement. Même si vous avez un appareil photo avec autofocus. Vous deviendrez ainsi bien meilleur dans votre métier. Je crois en la manière dont Cartier-Bresson photographiait, en particulier pour la photographie de rue.
Comment maintenez-vous votre passion, votre curiosité et votre inspiration créative lorsque votre travail a mûri - comment réinitialisez-vous votre vision ou la renouvelez-vous lorsque vous avez l'impression de vous répéter ?
Mark de Paola :
Je n'ai aucune difficulté à maintenir ma passion pour la photographie et le cinéma. Je suis obsédé par le travail que j'ai le privilège de faire chaque jour - mettre en lumière une vérité, raconter des histoires et me remettre constamment en question et explorer, tout en continuant à évoluer en tant qu'artiste.
Todd Hido :
J'ai souvent utilisé différentes méthodes pour photographier et je travaille souvent sur plusieurs projets en même temps - lorsque j'atteins mes limites dans un domaine, je peux passer à un autre projet et y travailler. Parfois, ils se fondent l'un dans l'autre, mais au moins cela me permet de rester en mouvement.
Mathieu Bitton :
Pour être honnête, je n'ai jamais été aussi inspiré et passionné par la photographie que maintenant. Je photographie tout le temps, les jours de congé, au déjeuner, au dîner, en me promenant ... même ce soir au supermarché ! Je travaille longtemps de manière très intensive, alors je trouve du repos pendant mes jours de congé, toujours avec un appareil photo à la main. J'ai la chance de vivre à Malibu, où je peux me promener sur la plage et dans les montagnes et observer le lever et le coucher du soleil pour trouver l'inspiration et la motivation. C'est ma thérapie.
Si vous regardez vers l'avenir, quel est le projet ou la découverte qui vous enthousiasme le plus (que les lecteurs n'ont pas encore vu) et qu'espérez-vous pouvoir exprimer ou découvrir ?
Mark de Paola :
J'ai grandi avec ma mère, une femme forte et influente, productrice de films et mannequin, qui m'a transmis l'importance de raconter des histoires de femmes authentiques. Je viens de terminer mon premier long métrage "A Stab at Heaven" et je travaille maintenant sur deux autres projets de longs métrages. Ce faisant, je cherche des moyens de combiner la photographie d'art et le cinéma et d'élargir un type de philosophie et d'univers qui me tient à cœur : dePaola pictures.
Todd Hido :
J'étais récemment à Tokyo et j'ai trouvé très intéressant de me promener dans la banlieue et de découvrir des points communs avec ce que je recherche dans mon travail de nuit aux États-Unis. Je suis intéressé par le fait de photographier d'autres maisons dans d'autres endroits, afin d'explorer les différences culturelles et surtout les similitudes dans nos modes de vie.
Mathieu Bitton :
Je travaille actuellement sur une nouvelle œuvre intitulée "Rapture in Blue". Il s'agit pour l'instant d'un projet de photographie de la nature, pris entre Malibu et l'Ohio. J'utilise de vieux objectifs datant des années 1930 à 1970. Certains gros plans d'eau donnent l'impression d'avoir été pris dans l'espace. Je pense aussi à faire un livre sur la musique, ce que les gens me demandent depuis des années. Et bien sûr, je commence à réfléchir à des idées pour un livre sur Dave Chappelle. Ou deux. Je travaille également sur une exposition dans la magnifique nouvelle galerie du Soho Grand Hotel à Soho, New York.
