『12 Exposures』エピソード6：フィリップ・ラインハルト

フィリップ・ラインハルト氏は、スポーツやストリートを題材に活動する写真家であり、ドイツサッカー連盟（DFB）のチーム専属カメラマンやオリンピックの現場、さらには国際的なブランドの仕事などを手掛けています。彼はOberwerth（オーバーヴェルト）と共同で「Simple Strap（シンプル・ストラップ）」を開発しました。今回のインタビューでは、長年の趣味がいかにして職業となったのか、なぜ今もなおアナログ写真に魅了され続けているのか、そして優れたカメラストラップの条件とは何かについて語ってもらいました。

1. 今、ご自身の写真家としての歩みを振り返ってみて、写真が単なる記録以上のものだと気づいた特定の瞬間はありましたか？それとも、それはむしろ継続的なプロセスの中で感じられるようになったことでしょうか？

私の場合、14歳の時に初めてアナログカメラを手にして以来、20年以上にわたってアナログ写真と付き合ってきました。最初は「たまに持ち歩く」程度だったのが、いつしか「常に持ち歩く」ようになっていたのです。まさか写真で生計を立てられるようになるとは、夢にも思っていませんでした。独立する1年から1年半前までは、あくまで純粋な趣味に過ぎず、デジタルカメラさえ持っていなかったほどです。本来は映像の世界、つまり撮影（カメラワーク）や、ゆくゆくは演出や企画といった分野に進みたいと考えていました。写真については、きちんと学んだことがなかったため、むしろ少し気後れするような感覚さえありました。ストロボ撮影や画像編集など、習得すべき技術は山ほどありますが、当時はそれらについて全く知識がなかったからです。私はもともとメディアデザイナーとしての訓練を受けていたので、視覚的に映え、レイアウトとして機能するような画像の構成や構図の作り方は心得ていました。しかし、大規模な制作現場となると、やはり不安があったのです。そうして徐々に活動の規模が大きくなっていき、気づけば今の仕事にたどり着いていた、という感じですね。

2. あなたはアナログでの撮影がお好きですね。動きの激しいスポーツの現場で、それは両立できるものなのでしょうか？シャッターを切るタイミングは、どのように決めているのですか？

私にとってデジタル写真は、基本的に常に「仕事」のためのものです。撮影した画像をほぼリアルタイムで納品しなければならないことも多いため、仕事の際にはデジタルで撮影します。一方、アナログ写真は、自分が努力して成し遂げたことに対する「ご褒美」のような存在でした。かつて私を突き動かしていたあの小さなときめき――フィルムを現像に出し、戻ってきたものを受け取る時のワクワク感や、何が写っているかわからないドキドキ感――は、今でも変わりません。だからこそ、オリンピックやDFB（ドイツサッカー連盟）の現場でもアナログで撮影をするのです。アナログ写真は、見返したときに特別な感覚を覚えるものだと感じています。それに、アナログで撮っていることは誰にも言わないので、誰かに何かを求められることもありません。余計なプレッシャーを感じることなく、そのプロセス全体を楽しめるのです。 「Simple Strap」が生まれたのも、実はそうした理由からです。私はいつもメイン機であるLeica Q3を長いストラップで提げていますが、それに加えてアナログカメラも持ち歩きたいと思っていました。しかし、ストラップの組み合わせがうまくいっていないと、複数のカメラを提げて歩くのは大変です。今の仕様なら、ストラップ同士の間隔が十分に保たれているため、カメラ同士がぶつかることもありません。おかげで、M6を提げておき、さっと持ち上げてアナログ写真を撮り、またそのまま下ろして、通常のワークフローでデジタル撮影を妨げなく続けることができるのです。

3. 「Simple Strap」の話が出たついでにお聞きしますが、なぜ「I take photos」という言葉を選んだのですか？

だって、ただそれだけのことだからです。私は写真を撮っている――それ以上でもそれ以下でもありません。中には、それを大げさに捉えて「自分は芸術をしている」と言う人もいます。もちろん、それを否定するつもりはありません。芸術とは見る人の感性次第で決まるものですから――もしかすると、私も芸術をしているのかもしれません。でも結局のところ、私は写真というものがシンプルであり続けるのが好きなんです。だからこそ、シンプルで、かつ丁寧に作られたストラップを選びました。「I take photos（写真を撮る）」――これこそが、物事を突き詰めたときに残る最も本質的な言葉でした。そこに、メタ的な視点を含んだような気取った引用句などは必要ありません。カメラを手に取るとき、そこにあるのはただシンプルな事実だけ。「I take photos」なのです。

4. シンプルさ以外に、他にどのような点を重視しましたか？ストラップに対してどのような要件がありましたか？

単に私の名前とOberwerth（オーバーヴェルト）のロゴを冠して市場に投入するだけのストラップは作りたくありませんでした。私は以前からプロダクトデザインに強い関心を持っており、もし写真の道に進んでいなかったら、いつかその分野で何かをしていたかもしれません。ですから、このプロジェクトには大きな喜びを感じていました。金銭的な利益よりも、自分の理想を形にすることこそが重要だったのです。何よりも重視したのは、高い品質と確かな経験でした。私がOberwerthに期待したのは、Leica（ライカ）製品に通じる品質を備えたストラップを作れるパートナーであることでした。つまり、信頼でき、どんな状況でも耐えうる強度を持ち、使い込むほどに味わいが増すような製品です。2年経っても新品同様に見える必要はなく、むしろ「パティーナ（経年変化）」を楽しめるものであるべきだと考えました。そうした変化に耐えうる製品であるかどうかが、私にとって最大の判断基準でした。同時に、単なる普通のレザーストラップよりも、いくつかの課題を解決できる「 Simple Strap （シンプル・ストラップ）」を作りたいとも考えていました。例えば、ストラップを肩から斜め掛けしていると肩から滑り落ちてしまうことがよくありましたが、それに対する有効な解決策はこれまでありませんでした。そこでSimple Strapには、赤い起毛仕上げのアルカンターラ調素材を採用し、その問題を解決しました。また、撮影が長時間に及ぶと首に食い込んで痛くなることもあります。Leicaは素材の特性上それなりの重量がありますし、2台持ち歩けばさらに負担は増します。しかし、小さなパッドを設けることで、快適さが格段に向上しました。さらに、カメラに取り付ける金属リングなどの細部にもこだわりました。カメラ本体の金属部分に直接当たって傷がつかないような設計にしています。つまり、ごくわずかな工夫を加えることで、単に長さ調節ができるだけの一般的なカメラストラップよりも、いくつかの問題を解決できる製品を目指したのです。 …と材料によって定義される。

5. デザインにおいて、何からインスピレーションや影響を受けましたか？

私は触れた時の感触や質感を非常に重視する人間です。おそらく、だからこそライカというブランドに惹かれるのでしょう。頻繁に手にするものには、心地よい感触を求めたいのです。そのため、使用するレザー選びにはこだわりました。適度な厚みや重みがあり、見た目や手触りから独特の風合い（マーブル模様など）が感じられ、本物の高級感が伝わるような素材を求めたのです。次の課題は、ストラップをどこまでシンプルにできるかという点でした。エッジや縫い目、その他の細部に至るまで無駄を削ぎ落としつつ、十分な強度を保ち、かつ破損の原因となり得る箇所を極力減らすことを目指しました。

6. 優れた機材は、撮影時の快適さだけでなく、撮影のスタイルにも影響を与えると言えるでしょうか？

ええ、その点については確信があります。単純な例を挙げましょう。もし私が大工なら、想像しうる最高のハンマー、あるいは毎日手にする最高の道具を求めたはずです。単なる趣味の域を超え、毎日使うものとなれば、ストラップが絡まったり、外れたり、肩から滑り落ちたりといった、些細なことでイライラしたくはありません。使うたびにワクワクするようなものであってほしいのです。ライカを手にした当初もそうでしたし、今でも変わりません。M6もまた、手に取るたびに特別な気分にさせてくれるカメラです。ストラップも同じであるべきです。その姿を眺めると、下地に見える赤色が実にいい雰囲気を醸し出していますし、デザインの細かなあしらいや「I take photos」という言葉も素敵です。そうした要素を目にすると、「この開発プロセスがいよいよ完成するんだな」と感慨深く思います。このストラップを手にすると、写真を撮るのが本当に楽しくなるんです。無理やり自分に言い聞かせたり、カメラを持っていくのを思い出そうとしたりする必要はありません。その道具を身近に置いておきたいから、自然といつも持ち歩くようになるのです。

7. スポーツにかなり力を入れていますね。なぜですか？

私は常々、もし独立するなら、自分自身が充実感を得られ、情熱を注げることをしたいと言ってきました。物事に対して心から納得し、本気で取り組めば、結果はより良いものになると確信しているからです。だからこそ、まだ収入が全くなかった頃でさえ、結婚式や洗礼式、誕生日会といった、お金を稼げるような依頼をすべて断っていました。傲慢に聞こえるつもりはありませんが、自分に正直でありたかったのです。私にとってそれはあくまで趣味でしたが、ここ1年半から2年の間にそれが仕事になりそうな気配が見えてきたとき、こう決心しました。「もしこれを仕事にするなら、自分が愛していることでお金を稼ぎたい」と。そして、スポーツはずっと私の関心の対象でした。幼い頃、日曜日の午後2時になると父の膝の上に座り、ミハエル・シューマッハが出場するF1レースを一緒に観ていました。その後、サッカーやバスケットボールをプレーし、12歳からは毎日スケートパークに通い、やがてサーフィンもするようになりました。体を動かすことは常に私にとって重要でした。スポーツが呼び起こす感情、心地よさ、身体の連動性、チームの一員であること、そして敗北との向き合い方など、多くの要素があるからです。ですから、自分の価値観を大切にするならば、私が働くべき分野はスポーツ以外にほとんど考えられません。それに、自分自身がスポーツに打ち込んでいれば、アスリートのような思考回路も身につきます。そうすることで共通点や接点が生まれます。例えば、バスケットボール選手のロッカールームで彼らとバスケの話をする際、私自身がプレー経験者であることは間違いなくプラスに働きます。もしバレエの世界や動物に関わる分野だったら、その世界の人々と彼らのテーマについて、心からの言葉で語り合うのはずっと難しかったでしょう。

8. 最近はどんなスポーツをしていますか？

スポーツに関しては、基本的にはその時々で自由にできて、誰にも口出しされないものなら何でもやるというスタンスです。今はスケートボードを再開しようとしていて――いわゆる「原点回帰」ですね――どう展開していくか様子を見ているところです。それ以外だと、サッカー、バスケットボール、テニスをよくやっています。今のところ、私のスポーツライフのメインはこのあたりですね。

9. 今、惹かれているものの、まだ誰ともつながっていないテーマや題材はありますか？それとも、スポーツの世界にとどまるつもりですか？

「スポーツ」というのは、いわば私の職業上のアイデンティティに過ぎません。もともと私は、極めてオーソドックスなストリートフォトグラフィーの出身です。路上での光景を、何気なく、その場の状況に合わせて、あるいはある種の展開を予期しながら撮影していました。その要素こそが、今も私のスポーツ写真のDNAになっているのだと思います。ストリートフォトグラフィーの精神が息づいているため、洗練されすぎた感じや、いわゆる典型的なスポーツ写真のような雰囲気とは一線を画しているのです。その根底にある共通項は、人間、感情、そして物語です。「その人の内側には何があるのか？」――これこそが私にとって何よりも重要なことであり、他者に対しても常に興味を惹かれる点、つまり「その人の物語」なのです。ルポルタージュの取材で機械技師や車体職人といった方々と出会う際、私はその方と一緒にいる間、彼らの物語に強烈に惹きつけられます。それがスポーツに関係しているかどうかは関係ありません。つまり、スポーツという枠組みをさらに取り払った先にあるもの、それは常に「人間」そのものなのです。

10. 撮影の準備も、そのようにして行っているのですか？準備はどのような役割を果たし、どの程度を偶然に委ねているのでしょうか？

私の写真は、常に「偶然」の要素によって生かされています。撮影中に何かが生まれる余地を残すため、あえて計画を分単位で完璧に詰め込むことはしません。うまくいけば、そこにはある種の魔法のような瞬間が訪れます。互いの波長が合い、相手が心を開き、当初は全く想定していなかったようなものが撮れるのです。そんな瞬間には、相手と共にその道をもう少し先まで進んでいくための自由が必要です。それこそが、他では決して得られない瞬間なのです。とはいえ、常にプロフェッショナルとして準備は怠りません。無計画なまま現場に入り、すべてを即興（フリースタイル）で済ませるようなことはしません。結局のところ、計画と即興のバランスは五分五分といったところでしょうか。私は即興性に大きく支えられており、それこそが常に私の最大の強みでした。即興で対応し、先を読み、状況に応じて動き、短時間でそれを形にする力です。しかし、もちろん光の位置や、どこが良いアングルかといったことは把握していなければなりません。例えばサンフランシスコで、メルセデスの仕事として正午にロジャー・フェデラーを撮影する場合、何が起こるかを事前に知っておく必要があります。スケジュールは分刻みで、すべてをスムーズに進行させ、無駄な空白時間を生じさせてはならないからです。同時に、ある程度の「空白」が生じたとしても、それをうまくつなぎ合わせられるという自信も持っています。

11. スポーツや動きを撮影することに関心のある若い写真家にアドバイスできるとしたら、何でしょうか？別の分野から転向する場合、何を学ぶのが有益で、逆に何を手放すべき（あるいは忘れるべき）だと思われますか？

まずは何かを「忘れる」必要など全くありません。せいぜい、いくつかの点を少し調整してみるくらいで十分です。そして、そこにこそ写真の素晴らしさがあります。人それぞれ物事の見方や細部への捉え方が異なるからこそ、自分だけのスタイルを築き上げていくことに大きな喜びがあるのです。そのために必要なのは、ただひたすら実践すること――つまり、何度も何度も写真を撮り続けることです。結局のところ、それはスポーツやトレーニングのようなものです。もし2年間ほとんど写真を撮らなければ、常に撮影している場合と比べて、いざという時の対応力や感覚が鈍ってしまいますから。とはいえ、他人と過度に比較したり、「いいね」やコメントの数に一喜一憂しすぎたりしないことも大切です。それが私からのアドバイスです。優れた作品は、必ずや認められ、多くの人の目に留まるようになると私は信じています。最初や2枚目の写真ですぐに評価されるわけではないかもしれませんが、粘り強く取り組み、多少の困難も乗り越えていけば、やがて何かが形になっていくはずです。

12. 最後に：あなたのスタイルを真に表す10枚の写真を提示するとしたら、それらすべてに共通するものは何でしょうか？

それらはすべて物語を語り、何らかの感情を宿していると思います。そして、どれもがいくつかの層（レイヤー）で構成されています。完全に平面的で奥行きのない画像は、まずないでしょう。私は常に異なるレイヤーを使い、画像に深みや、ある種の立体感を与えるようにしています。つまり、物語があること、感情が込められていること、そして画像の中に様々なレイヤーが見られること――おそらく、この3つが共通する要素だと言えるでしょう。